Notícies d'Esglèsia

La fatídica noche del 26 de febrero 1986 ocurrió una de las negligencias más atroces y recordadas de la historia europea y mundial. A la 01:24, 40-60 segundos después de haber iniciado una peligrosa prueba en las que se que quitaron todas las barras de control de la parte activa del reactor, tuvieron lugar dos grandes explosiones. Las investigaciones futuras determinaron una serie de errores en la central, como que los sistemas de seguridad estaban
apagados o algunos incluso fuera de servicio en el momento de la explosión inicial. Tras las dos explosiones, un hongo se levantó sobre el cielo de la pequeña ciudad de Ucrania, provocando
una lluvia radiactiva que contaminó a cada habitante de la ciudad de Chernóbil. Las consecuencias futuras afectarían no solo a los ciudadanos, también a los que estaban por venir: niños que nacieron con deformidades o dolencias de todo tipo, debido a la radiación emitida por la explosión. Pese a los nefastos resultados, la censura burocrática del sistema soviético acalló las voces y el suceso se vio enterrado, limitándose a explicar mecánicamente la
secuencia de errores humanos mediante documentales que no arrojaban ninguna luz sobre el caso.
Craig Mazin, hasta la fecha, es la persona que más luz ha arrojado sobre el caso en esta más que notable serie, que se convierte en un documento histórico de investigación sobresaliente.
Mazin venía de escribir exitosas comedias y, en un giro que demuestra su versatilidad como creador, se metió en la concepción de una serie de auténtico terror: el horror más puro de Chernobyl es el de mostrar la incompetencia humana de querer domar la fuerza destructiva más absoluta. Llena de elipsis, nada gratuita y con una realización inteligente, consentida y respetuosa con las víctimas. Tiene en común con On The Beach (1960) de Stanley Kramer el presentar la rutina de los personajes preparándose para lo inevitable de una forma triste y perturbadora, anquilosando la dura tragedia que está a punto de suceder.
La hipnótica fotografía es como un Hiroshima Mon Amour (1959), con todo ese tono
semidocumental con impresionantes imágenes de la masacre que hiela la piel. Una recreación realista, convincente, donde se subraya la heroicidad de los personajes anónimos como los bomberos que salvaron cientos de vidas, enfrentados al peligro invisible que es la radiación. Y es que lo que podría haber sido una entretenida serie sobre el pánico nucler al estilo Panic In Year Zero! (1962), la serie se acaba transformando en una especie de ¿Vencedores o vencidos?
(1961) aderezado con la visión crítica de Peter Watkins y su The War Game (1965): despiadada, mostrando el infierno humano sin edulcorantes, el abismo que se acaba de abrir ante el mundo.
Durante años, los responsables han escurrido el bulto y el incidente de Chernóbil se convirtió en un fenómeno mediático, como quien visita el monumento en honor a las víctimas del Holocausto para sacarse fotos que subir a las redes sociales. La serie se compone como una respuesta al sensacionalismo beligerante que tanto reina en nuestro mundo actual: ante la violencia gratuita y los golpes de efecto, Chernobyl se arma como una serie contra todos los
que buscaban morbo y explicitud. El drama y el terror se anteponen para mostrar la cara más valiente, sacrificada y dura del ser humano; también la más incompetente y avara. Todo esto
mediante la narración desde distintos puntos de vista, lenta pero inexorable e inmisericorde.
El reparto de la serie está a un nivel muy superior al que uno se acostumbra en la actualidad, pero sería una irresponsabilidad no señalar la brillante actuación de su trio principal: Jared Harris, Stellan Skarsgard y Emily Watson. Hasta la fecha, todas las series que ha hecho Jared Harris llevan una marca clara de calidad actoral, brillante, comedido pero con una rabia y pánico latente en todo momento. Stellan Skarsgard, como siempre correcto y Emily Watson escalofriante en su personaje.
En resumen: una serie dura, cruda, pero respetuosa con los hechos y con las víctimas. Un retrato humano que ensalza el valor del individuo y recalca la estupidez de la negación a ver la
realidad. Es lenta, pero el tiempo dedicado a ella vale la pena.

 X-Men: Fénix Oscura

X-Men: Dark Phoenix

***

Superhéroes

Director: Simon Kinberg

Nueva entrega de la saga, centrada en el drama del personaje de Jean Grey, sin olvidar el carácter espectacular y deslumbrante de la franquincia. Una trama demasiado sencilla y algo previsible dirigida por el debutante Simon Kinberg.

El creyente

La prière

***

Drama

Director: Cédric Kahn

Interesante acercamiento a la realidad de la Comunidad del Cenáculo, en la que ingresan sobre todo toxicómanos, que a través del trabajo y la experiencia religiosa hacen un camino de reconstrucción personal. A pesar de sus defectos, es una valiosa historia sobre la fe y el cambio de vida.

El vendedor de tabaco

Der Trafikant

***

Drama

Director: Nikolaus Leytner

La historia de un joven aprendiz de estanquero, que en la Viena pro-nazi entabla amistad con un ya anciano Sigmund Freud. Interesante en su puesta en escena, en los personajes y en los temas de fondo, pero poco redonda y con sexo gratuito.

Mr. Link. El origen perdido

Missing Link

***

Animación

Director: Chris Butler

Curiosa cinta de animación con la técnica de stop-motion que nos lleva al mundo del monstruo del Lago Ness. Una animación muy esmerada al servicio de una aventura de valores positivos ideal para toda la familia

Antes de la quema

***

Comedia

Director: Fernando Colomo

Simpática comedia que explota el género costumbrista a través de una trama que mezcla el narcotráfico con la chirigota gaditana. A pesar de lo manido de ciertas situaciones, la película opta por un tono amable, siguiendo la estela de La Tribu, con la que le fue tan bien a Colomo.

Lino

**

Animación

Director: Rafael Ribas

Una sencilla animación al servicio de una historia creativa sobre un hombre frustrado al que todo le sale mal. Esta película brasileña habla de la autoestima, la fe en las propias capacidades y la sociedad individualista.

The Song of Sway Lake

**

Drama

Director: Ari Gold

Extraña cinta sobre un joven que quiere encontrar un vinilo de Jazz que pertenecía a su padre. Cinta independiente que habla de un tiempo perdido y de relaciones entre personajes marcados por la ausencia de vínculos. Una cinta que no es redonda pero que explota bien la nostalgia.

El sótano de Ma

Ma

**

Thriller

Director: Tate Taylor

Película de terror soft para adolescentes y sobre adolescentes, que tiene su principal aliciente en una Olivia Spencer inquietante desde el plano uno. Una buena premisa que desemboca en una película de serie B para incondicionales de la misma

Touch Me Not (No me toques)

Touch me not

*

Drama

Director: Adina Pintilie

Tediosa y experimental película sobre el contacto físico entre las personas. Psicoanalítica y muy explícita en imágenes turbadoras, esta cinta rumana no se dirige al público general por su feísmo y morbo claustrofóbico.

Mejor que nunca

Poms

*

Comedia

Director: Zara Hayes

Tontuna en forma de comedia para la tercera edad, que explota sin originalidad un tema manido hasta el aburrimiento. Bromas procaces y situaciones absolutamente previsibles obligan a Diane Keaton a seguir bajando escalones en su carrera.

Una de las prácticas más habituales en el mundo de las teleseries es la creación de sucedáneos. Se suelen llamar spin-offs y no son más que ficciones televisivas que surgen de argumentos marginales de otras que han cosechado grandes éxitos. Son un intento de prolongar o multiplicar la vida de historias que han dado mucho dinero a los productores y que estos no quieren amortizar, sino seguir capitalizando.

Son muchos los ejemplos ilustres de esto. En España tenemos Aida (2005-2014) como derivado de 7 vidas (1999-2006). Más allá del atlántico los casos se multiplican. Angel (1999- 2004) sucedió a Buffy, la cazavampiros (1997-2003). Better Call Saul (2015-), que anda por su quinta temporada tras la inolvidable Breaking Bad (2008-2013). The Good fight (2017-), salida de la interminable The Good Wife (2009-2016). Incluso tenemos algún curioso caso, con mayor longevidad de la original que del sub-producto, como es el caso de Sin cita previa (2007-2013), que pese a encadenar 6 temporadas no consiguió sobrevivir a Anatomía de Grey (2005-), que sigue cumpliendo años.

Mayans (2018-), la serie que nos ocupa, es uno de estos casos. Surge del segundo gran proyecto de Kurt Sutter, Sons of Anarchy (2008-2014). Pese a compartir en este caso la creación con el hasta ahora desconocido Elgin James, Sutter es toda pilotando una serie. Tiene entre sus logros curriculares la que fue, junto a The Wire (2002-2008), una de las grandes teleseries policíacas de los inicios de esta tercera edad de oro de la televisión, la violenta The Shield (2002-2008), que nos narraba sin tapujos la corrupción policial en Los Ángeles.

Como en otros spin-offs, en este caso se mantiene el gremio. Los hijos de la anarquía eran un club de moteros californianos dedicados al tráfico de drogas y de armas. Los mayas son su joint-venture en tierras fronterizas con México. La trama es bastante similar. Reaparecen personajes como el diabólico fiscal. Varía el sindicato de crimen del entorno, que en este caso lo ocupa el cártel, con sus métodos ultra-violentos e inhumanos a la hora de perseguir sus fines.

Esta primera temporada de Mayans responde a un principio fundamental de la arquitectura. Los cimientos son muy importantes si queremos que un edificio se aguante. Lo mismo sucede en el mundo de la narrativa serial. Si se quiere que una ficción capture el interés de los espectadores durante varias temporadas, es necesario elaborar personajes psicológicamente densos que generen una cierta identificación entre el fandom.

A esto se dedica Sutter en los primeros diez episodios de esta ambiciosa ficción, a explicarnos las heridas abiertas y las cicatrices de varios de los personajes principales. Tiempos de reclusión que truncaron amores imposibles con una mujer que ahora pertenece a otro hombre. Pasados de casquería que se han domesticado en una carnicería real. Rencores proverbiales. Engañifas y traiciones familiares. Niños asesinos cuyos padres fueron masacrados por el cártel. Y muchas otras sorpresas, como la reaparición del teniente Castillo de la mítica Corrupción en Miami (1984-1990).

Y, pese a gran cantidad y variedad de muertes y cadáveres, parece que el arco narrativo todavía se está tensando y la gran violencia espera todavía para descargar. Escenarios áridos y polvorientos, moteros y narcotraficantes sociópatas vaciando constantemente los tambores de sus revólveres y los cargadores de sus automáticas. Muerte y desolación, en la arena, en la carretera, en los túneles e incluso en las bañeras. Y, sin embargo, da la sensación de que todavía no se ha desencadenado la tormenta.

Sexo, drogas y rock&roll. Todo agitándose y girando frenéticamente. Mezclado con esa nostalgia de la violencia que grita desde todas las memorias, y se convierte, lentamente, en una gran plétora de muerte y destrucción que se cierne sobre los mortales. Una tragedia sobre ruedas digna de ser vista si nos gustan las chupas de cuero y no nos importa asistir a las mayores atrocidades. Un relato mucho más realista de lo que imaginamos. El actual muro de Trump se convierte en el siniestro protagonista de lo que sucede. Inmigración, drogas, armas, túneles y muchos muertos. Todo para que el show continúe y el capital siga fluyendo.

Rocketman

***

Musical

Director: Dexter Fletcher

Aproximación muy conseguida a la tormentosa vida de Elton John. A diferencia de Bohemian rapsody, en esta cinta no se obvian los momentos más sórdidos de las aventuras sexuales del protagonista. Excelente actor, buena música y el visto bueno del propio músico. Para los amantes de los biopics musicales.

La ceniza es el blanco más puro

Jiang hu er nv

***

Drama

Director: Jia Zhang Ke

Intensa inmersión en el mundo de la mafia china a través de una mujer que se va desencantando y endureciendo a merced de las cambiantes circunstancias. Interesante retrato de una China llena de contradicciones y de promesas incumplidas. Película violenta pero brillante para amantes del género.

La corresponsal

A Private War

***

Bélico

Director: Matthew Heineman

Un homenaje a Marie Colvin, la famosa corresponsal de guerra británica que murió en Siria. A pesar de ser un elogio al periodismo de frontera la película deja un sabor amargo y el personaje tiene más sombras que luces. De todas formas es un brillante film con un increíble trabajo de Rosamund Pike.

Ártico

Artic

***

Aventuras

Director: Joe Penna

Película de supervivencia sobre un hombre solo en el Artico tras el accidente de su avioneta. A pesar de su crudeza, el film está lleno de detalles muy humanos que desembocan sin embargo en un amargo desenlace. Se sigue con interés, aunque no es especialmente novedosa.

10 días sin mamá

10 giorni senza mamma

***

Comedia

Director: Alessandro Genovesi

Divertido remake de la comedia argentina Mamá se fue de viaje sobre un padre de familia que se queda al frente de su casa cuando su mujer se va a Cuba diez días. Una crítica al modelo del padre ausente pero también a una forma de entender el trabajo fuera de casa.

Dilili en París

Dilili à Paris

***

Animación

Director: Michel Ocelot

Novedosa e interesante técnica de animación al servicio de una historia de intriga que de paso nos permite un paseo por el París de Marie Curie, Pasteur o Picasso. Una rareza de la animación en clave multicultural que realmente merece la pena.

Okko, el hostal y sus fantasmas

Waka Okami wa Shōgakusei!

***

Animación

Director: Kitarô Kôsaka

Deliciosa película familiar sobre una niña que pierde a sus padres en un accidente de coche. Una cinta tierna, simpática, llena de bondad y abierta a la trascendencia. Aunque no está al nivel de Miyazaki, esta adaptación de una saga literaria juvenil no decepciona.

Clara y Claire

Celle que vous croyez

***

Drama

Director: Safy Nebbou

Claustrofóbico drama sobre una mujer madura que se hace pasar en Facebook por una veinteañera. Juliette Binoche encarna a esta mujer que representa la soledad radical y la necesidad de ser acogida y cuidada. Un buen guion para una historia psicoanalítica y con exceso de sexo.

John Wick: Capítulo 3 – Parabellum

John Wick: Chapter 3 – Parabellum

**

Acción

Director: Chad Stahelski

Espectacular entrega de la franquicia protagonizada por Keanu Reeves. Muchos tiros, magníficas coreografías y un recital de violencia que no deja respiro. Para incondicionales del género de acción trepidante y brutal

Infiltrado en Miami

Le flic de Belleville

**

Acción

Director: Rachid Bouchareb

Comedia de acción lastrada por un guion plano y sin brillos de originalidad. Con vocación de hacer reir a la vez que disparar la adrenalina, se queda en un subproducto a mayor gloria de Omar Sy

El director Stephen Frears ha dado muestras de su talento con notables producciones ambientadas en Inglaterra. Suenan títulos como The Queen, Filomena o La reina Victoria y Abdul. Sin embargo, se decanta por el mundo de la televisión en esta ocasión. Este realizador, respaldado por la productora See Saw Films para Sundance TV nos ofrece una mini serie cómica de 10 capítulos de unos 10 minutos aproximadamente. El argumento gira en torno a un matrimonio en crisis como consecuencia de una infidelidad por parte de ella, que se toma una cerveza todas las semanas antes de entrar en una terapia con el psicólogo para intentar salvar el matrimonio.

El mayor peso dramático recae fundamentalmente en la nominada al Óscar Rosamund Pike y un buen actor, aunque más desconocido para el público, como Chris O´Dowd. La pareja de intérpretes se entienden a la perfección y existe una química que recuerda a los grandes actores del cine clásico. Algunos de nuestros lectores se preguntarán si es posible desarrollar en una trama de una serie de televisión en 100 minutos y que tenga un inicio, un desenlace y un final brillante y en capítulos de tan solo 10 minutos, consiguiendo enganchar al espectador. La respuesta es afirmativa. La clave se encuentra en la coordinación entre el cineasta y el solvente guionista, Nick Hornby, que ha firmado el libreto de películas como Alta fidelidad, An education, Brooklyn o Alma salvaje. Todo se desarrolla en la mesa de un pub en la que cada episodio se va enganchando con el anterior que termina con un potente giro argumental generalmente muy simpático.

Los protagonistas van conversando sobre el día a día en la que se entremezclan temas intrascendentes, cargados de humor, con otros de hondo calado propios de la relación de una pareja como por ejemplo las relaciones sexuales, la convivencia o los hijos. Los protagonistas se plantean que les ha llevado a distanciarse o el porqué se están acercando poco a poco. Vamos viendo si son o no capaces de salvar el matrimonio, mientras hacen balance de su vida. Se trata de una apuesta para intentar solucionar una
problemática, donde surgen palabras como esperanza, sentimiento de culpabilidad; ganas de perdonar y ser perdonado. El matrimonio anciano, que aparece casi de modo anecdótico, nos viene a decir que todos los esfuerzos para limar asperezas en el matrimonio merecen la pena y son positivos para alcanzar la felicidad. La prueba de esa profundidad de la que estamos hablando es que una de las conclusiones a las que llegan los protagonistas es que se dan cuenta de que el amor de entrega, el amor de ágape, y la voluntad de seguir deben tener más peso que dejarse guiar sólo por los sentimientos, que duran lo que duran, y que pueden provocar confusión.

Aladdin

***

Fantástico

Director: Gut Ritchie

Divertida y muy espectacular remake en imagen real de la película de animación de Disney del 92. Aventura, romance, buenas canciones y humor se combinan con eficacia en esta cinta sobre el sentido de la lealtad, la integridad y el empoderamiento femenino. Para toda la familia.

Como pez fuera del agua

Come un gato in tagenziale

***

Comedia

Director: Ricardo Milani

La hija de un poderoso ejecutivo de Roma comienza a salir con un chico de la periferia cuya familia se dedica a la delincuencia. El encuentro entre el padre de ella y la madre de él será de un contraste explosivo. Divertida comedia sobre lo que une y separa a personas de distinto extracto social.

La viuda

Greta

***

Thriller

Director: Neil Jordan

En un panorama de cine de terror repetitivo y sin ideas, se agradece al menos que el veterano Neil Jordan nos cuente algo distinto. Buen suspense en una historia de psicopatías ochenteras. No nos cambia la vida pero se deja ver con interés.

Blaze

**

Drama

Director: Ethan Hawke

Película sobre el cantante de country Blaze Foley fallecido en 1989 a los cuarenta años de edad. Interesante, con buena música e interpretaciones, esta película de Ethan Hawke peca de ritmo lento, aunque recrea con honestidad el lado oscuro y nada romántico de este oscuro personaje.

El hijo

Brightburn

**

Terror

Director: David Yarovesky

Historia de fantaterror de sabor ochentero que decepciona por su ausencia de puntos de fuga morales. Ofrece momentos inquietantes pero cuesta empatizar con los personajes. La idea original es buena, pero no consigue dotarla de la hondura necesaria

La última lección

L´heure de lasortie

**

Thriller

Director: Sèbastien Marnier

Un profesor se enfrenta a unos misteriosos alumnos. Una metáfora social al estilo de Hanecke bajo la apariencia de un thriller sobre adolescentes abducidos. Bien rodada e interpretada, patina en su propuesta que acaba siendo demasiado obvia.

En 1971, comenzaba el ciclo fílmico de Harry el sucio (Dirty Harry, Siegel) que llegó a tener cinco entregas, todas ellas protagonizadas por Clint Eastwood (1930): la mencionada Dirty Harry, Magnum Force (1973), The Enforce (1976), Sudden Impact (1983) y The Dead Pool (1988). Con la aparición estelar de Harry Callahan, como el policía que se enfrentaría al caso del asesino del Zodiaco -que estaba basado en hechos reales-, se establecía un nuevo patrón para el protagonista: cabía que un policía fuera aún más peligroso, violento y sanguinario que el mismísimo criminal al que perseguía. La ley se teñía de violencia y eso parecía estar justificado. ¿Sería esto una igualación del héroe con el villano? ¿O simplemente una forma de hacer verosímil que el “héroe” podría vencer al monstruo? Visto con perspectiva y después de todo lo que ha llovido desde entonces, se ve que la respuesta de la verosimilitud no es suficiente. Este fenómeno de envilecer al protagonista, frente a la larga tradición de proponer un modelo en virtudes, más bien consolidó el escándalo: la posibilidad de que el villano se convirtiera en el protagonista de la historia. Aunque no es el único de los precedentes con el que se confirma la tendencia actual de que los protagonistas sean pseudosicópatas o psicópatas completos, Harry el sucio explica bien el tipo de simpatía que suscita el protagonista, pese a su crueldad. Esta inversión de las leyes del juego dramático ha tenido consecuencias reales para los paradigmas narrativos, pero puede tenerlas también para los culturales. Y no ha hecho más que empezar.

En series de ficción como Dexter, Hannibal, Luther, Lucifer, Sabrina o Alias Grace (por nombrar algunas activas en Netflix) hasta películas y series más blancas se familiariza demasiado al espectador con el concepto del “mal relativo” o se plantea la erótica del poder, bajo la excusa de internarnos en los infiernos de la corrupción (House of Cards), de la ambición (Breaking bad) o del narcotráfico (Narcos, Fariña). Resulta evidente que muchos de los creadores actuales buscan protagonistas perversos y malvados, en una época sin referentes morales. Esta singularización del psicópata causó un gran impacto con El silencio de los corderos. La mezcla entre la inocencia y la inteligencia del mal se ha convertido en una fórmula irresistible. El recurso al “pacto con el diablo” o el colaboracionismo con criminales también ha sido la base de la premisa de la serie Mindhunter, de la que ya hablé en esta sección.

En un grado menor, se advierte cómo ciertos protagonistas parecen estar por encima del Bien y del Mal, que es de lo que se trata en esta era de superhormbres. Y aunque no criminales, las transformaciones de clásicos como Sherlock Holmes en Sherlock y Elemantary o simplemente la incorporación de la excentricidad al carácter de un médico en el caso de House son indicadores de los cambios sociales y culturales que han venido y están por venir.

Qué importancia tiene para el público que el protagonista sea un psicokiller

La ley básica del guion dice que el espectador siempre empatiza en primer lugar con el protagonista de la historia, sea éste el que sea. Después de esta alianza, es prácticamente imposible desprenderse de la influencia que ejerce su ejemplo en las conductas, opiniones, actitudes y visión del mundo que trae consigo. Su impacto es real. Como se ve, no se trata de tener más o menos criterio para tomar distancia de lo que vemos, sino de no verse en esa coyuntura inevitable. Parece que Platón tenía razón al recomendar cautela y escritos decentes a los poetas (a los que no expulsara).

Por una razón psicológica y mimética, el espectador adopta la posición del primero de los personajes. A partir de ahí busca seguirle y comprenderle en sus decisiones y avatares durante el relato. Aunque el proceso de identificación también afecta al resto de los personajes de la historia, con los que se puede encontrar alguna similitud, la simpatía primordial que ofrece el protagonista es insuperable. Con independencia de la calidad de su acción, es decir, sea bueno o malo lo que hace, a efectos morales, la acción del protagonista queda blanqueada por el mero hecho de ser protagonista.

En ese sentido, recordarán la película alemana sobre los últimos días de Hitler en el sitio de Berlín. Pues bien, para evitar este nefasto e inevitable efecto narrativo con el personaje en cuestión y lograr el propósito de acercarse a la persona de Hitler, el director de El Hundmiento (Der Untergang, 2004), Oliver Hirschbiegel, adoptó el punto de vista de Traudl Junge, la secretaría personal del Fürher. Con esto proporcionaba una distancia defensiva al espectador y acercaba el foco al objetivo, sin arriesgarse demasiado a justificar la conducta de Hitler. No obstante, el riesgo de un acercamiento de estas dimensiones fue grande, pues la experiencia de la secretaria personal humanizó a Hitler: al parecer, la trataba bien.

Ted Dunty: el colmo de la perversión

Con los precedentes señalados, ya no escandaliza saber que Netflix, una plataforma que ofrece abundantes documentales y series sobre criminales y psicópatas, porque han visto que es plato de buen gusto, acaba de estrenar una película sobre el secuestrador y violador estadounidense Ted Bundy. A estas alturas ya no sorprende tal elección.

La historia lleva como título “Extremadamente cruel, malvado y perverso”, palabras con las que definió a Bundy uno de los policías que le conoció. Aunque en el año 2002, encontramos una película sobre la misma figura, la plataforma de distribución de vídeo se ha lanzado ahora al rescate de una historia de brutalidades y de desconcierto social (piensen que hubo una estela de mujeres que se hicieron fans de un asesino y violador). En primer lugar, lo ha hecho con una mini-serie documental (Conversaciones con asesinos: las cintas de Ted Bundy) sentando así la base histórica y creando un universo de atracción fatal para los espectadores. En segundo lugar, Joe Berlinger, director de la mini-serie y de la película, se lanza a ficcionalizar la historia a través de la que fuera la novia de Bundy en el momento del juicio. La premisa es que Elizabeth Koepfer creyó en la inocencia de Bundy prácticamente hasta el final. En este punto, cabe preguntarse qué será lo siguiente. Puestos de moda los psicópotas y asesinos sólo cabe pensar en que alguien ha perdido la razón. Y también el corazón.

Tras el éxito obtenido en 1981 por Wolgang Petersen, Bavaria films –la productora alemana que realizó la primera adaptación de la novela homónima- se lanza con una serie de televisión para AMC, aunque difundida también por Movistar Plus. Basada en dos novelas de Lothar-Günther Buchheim (Das Boot, 1973 y Die Festung, 1995), la serie expande el universo narrativo condensado en el filme, alejándose no obstante de la premisa inicial. De hecho, el argumento arranca en el punto donde terminó la película de 1981. Mientras que la película de Petersen contaba las horas dramáticas vividas por la tripulación de un submarino alemán durante la II Guerra Mundial, la serie de Prochaska explora dos caras más mitificadas de la Guerra, como lo fueron la acción de la resistencia francesa y las acciones de espionaje británico para interceptar “Enigma”, el código secreto de comunicación del Ejército alemán: una vez, descifrado, el Gobierno británico jugó con las misiones durante la Guerra, desgantando con una estrategia de despiste a los alemanes. En ese contexto de “desciframiento” se enmarca la trama claustrofóbica del hundimiento del submarino.

Además de proponer como premisa de la historia las consecuencias de haber descifrado el código “Enigma”, la película de Petersen resulta más sintética, más bélica y menos romántica que la serie.   El tema de fondo es recurrente y esencial para entender el cine alemán de posguerra, perfectamente dibujado en, por ejemplo, Die Brücke (El puente, Wicki, 1959), con el reclutamiento de adolescentes para la defensa de un puente: se plantea así la tesis sobre el suicidio alemán de los últimos meses de la contienda, pues en el caso de Das Boot, la tripulación es llevada a la muerte bajo la consigna de cumplir órdenes. En ese sentido, resulta interesante estudiar la revisitación aligerada del tema que se produce a través de la serie. Por un lado, la serie de ficción plantea un cambio de contexto histórico y el significado del hundimiento del U-96. De hecho, al empezar con una escena del hundimiento y no recrearse en la tragedia vivida en su interior, se propicia un cambio de género: nos encontramos ante un melodrama bélico, donde el conflicto principal se sustenta sobre el grado de adhesión de las relaciones de lealtad de los alemanes. Por ello, el retrato psicológico de los militares se circunscribe al perímetro de su libertad de conciencia.

Por otro lado, algunos de los tópicos que definían la antigua interpretación de la II Guerra Mundial, tales como el retrato maniqueo de las SS o de los Nazis, se ven abandonados al eliminar al bando opositor: sólo existe el Ejército alemán y sus relaciones con la población civil. Este cambio de mirada tiene consecuencias importantes. Por ejemplo, consolida las aportaciones de las jóvenes generaciones de directores alemanes (tanto en cine como en televisión) que están sometiendo la Historia de su país a una reinterpretación activa de las causas y razones de la IIGM. En algunas de estas aproximaciones, como la que presenta la controvertida mini-serie Unsere Mütter, unsere Väter (Hijos del Tercer Reich, Kadelbach para ZDF, 2013), se tiende a mirar con conmiseración a los protagonistas del bando alemán. Quizá cabe preguntarse si, tras este giro interpretativo que ha generado un gran debate público, no se encuentre la necesidad de construir un relato con el que mitigar una culpa infinita, por los desastres sucedidos o sencillamente la necesidad que tiene toda nación de dar sentido (y quizá alguna justificación) a la memoria de sus padres, transformándolos en víctimas o restándoles responsabilidad en los crímenes producidos.

Además del cambio en el punto de vista, la novedad de este remake televisivo respecto de su análoga es que dentro de la trama sobre la resistencia francesa en La Rochelle incluye temas de la agenda de lo políticamente correcto como es la exaltación de la mujer liberada sexualmente, en su papel más activista y transgresor. Con ello, la acción se divide en dos escenarios complementarios: la clandestinidad y el submarino, principalmente. No todo sucede en alta mar ni todo es protagonizado por hombres; pero, también pierde credibilidad documental en la medida en que “esas mujeres” (Simone Strasser y Carla Monroe) aparecen disfrazadas de intenciones y motivaciones extrañas al rol del momento. Esta trama tan sólo abunda en la finalidad por conectar  el espíritu telenovelesco con la sensibilidad actual. Si bien, tratando de diferenciar posturas, convicciones y actuaciones dentro del ejército alemán, se humaniza a sus miembros, en la serie no queda claro el signo moral de la guerra: estrictamente, salvo en la caratula, Hitler no aparece ni mencionado ni evocado. En cambio, y en contraste con esa debilidad, se agradece la presentación de personajes que “dudan de sus convicciones”; que estarían dispuestos a cambiar el orden de los acontecimientos, si pudieran, por luchar por la dignidad de los prisioneros, de la población civil y de los mismos soldados. Este “nuevo tono” sólo indica ese cambio de mentalidad que se está produciendo en la sociedad joven y que apunta, por un lado, a la descriminalización de algunos personajes y a la compasión hacia las víctimas del III Reich.

Gran parte de la verosimilitud de la serie se basa en cómo han recreado el entorno y los medios militares que han usado. Sin embargo, como pago a su “actualidad”, realiza algunas concesiones a la galería, en materia de violencia -más justificables, si cabe- y puntualmente, al erotismo, sin justificación posible. Está claro que falta el recurso a la elipsis elegante de las viejas películas bélicas. Por último, destaca también el espíritu europeísta con el que está contada: uno de los detalles que remarcan el interés por reunir a europeos en un conflicto europeo es el uso de los tres principales idiomas de la Unión Europea, según la procedencia de los personajes: el inglés, el francés y el alemán (la serie está grabada originalmente en estas tres lenguas). Pareciera que este recurso es más una apuesta por apelar a la solidaridad de los jóvenes europeos actuales y estimular su idea de conservación y convivencia que un mero efecto estilístico.  Frente al niño alemán en Die Brücke, que, tras perder la razón y matar a un compatriota por desobedecer las órdenes, grita “¡Había que hacerlo, había que hacerlo!, estos nuevos héroes del universo bélico parecen preguntarse si hay alguna razón para matarse los unos a los otros. La serie plantea preguntas importantes a través de su subtexto.  Por ello, hay que estar atentos.

Sombra

Shadow

****

Épico. Buxía

Director: Zhang Yimou

El gran maestro del cine chino Zhang Yimou vuelve al género buxia con una historia de poder, amor, lealtad y venganza que recuerda a las obras de Shakespeare. Excelente fotografía y escenas visualmente memorables al servicio de una compleja mirada sobre el ser humano.

Lejos de Praga

Po Strnisto Bos

***

Drama

Director: Jan Sverák

Un niño es trasladado con su familia desde Praga a un pueblo durante la ocupación nazi. La tristeza de la guerra se armoniza con la mirada inocente del protagonista para darnos una cinta que contiene humor, dolor, melancolía y esperanza. Una propuesta interesante.

Casi imposible

Long Shot

***

Comedia

Director: Jonathan Levine

Comedia gamberra con Charlize Theron que nos introduce en el territorio donde se mezclan el poder político con la atracción fatal. Muy desternillante y pasada de rosca ofrece situaciones hilarantes y una mirada ácida hacia la política para espectadores complacientes.

Hospitalarios, las manos de la Vírgen

***

Documental.

Director: Jesús García Colomer

Bellos testimonios de enfermos que peregrinan a Lourdes y de sus acompañantes y cuidadores. Un documental sencillo pero conmovedor que habla de que los milagros más frecuentes en Lourdes no son lo que sanan el cuerpo sino el alma.

Bob Fosse es una de las personalidades más emblemáticas y peculiares de la historia del cine.
Actor, bailarín, coreógrafo; sus primeros pinitos en el cine los hizo de la mano de Stanley
Donen y Vincente Minnelli, de los que se empapó para dar su gran salto al mundo de la
dirección. El cine musical, al contrario de lo que se piensa, es un mundo de una complejidad
importante en el que se tienen que combinar muchos factores: el canto, la danza, los
movimientos de cámara, la actuación ligada a la personalidad principal de la película… Eso sin
contar los posteriores dolores de cabeza en la sala de montaje, los efectos de sonido, la
postproducción en general. Un musical debe sonar como un todo armónico, un reloj suizo
donde todas las piezas están en su sitio y donde, si falla un único componente, todo se va al
garete. Dos ejemplos: la poderosa adaptación de Tom Hooper, Los miserables que con un
poderío visual asombroso, unos números musicales trabajados y unas actuaciones
excepcionales, que se enmarca dentro de los que es un musical poderoso; por otro lado, El
gran Showman, de brillante comienzo pero donde todo va cuesta abajo y acaba por ser un
monótono retruécano de otros musicales mejores.

Bob Fosse, al igual que Minnelli y Donen, era un perfeccionista sin igual: un adicto al trabajo
constante, cuyo flirteo con el alcohol y las drogas para lidiar con la depresión y su fama de
mujeriego componen una imagen absorbente de un ser dedicado a si mismo. Pero detrás del
gran hombre, también había una gran mujer: Gwen Verdon, bailarina, amante, esposa y socia
fundamental de Fosse en sus producciones. Y esto es lo que nos propone la nueva serie de FX,
Fosse/Verdon: una visión distinta del genio, a los ojos de su mujer; el precio de la genialidad,
encubierta de fama y glamur que esconde un lado oscuro y sobrio; la parte de la historia que
no hemos querido ver. En estos tiempos del cuestionable movimiento #MeToo, la presente
serie se propone como reto para espectador, algo distinto que se sale de la norma de la típica
fórmula “la persona detrás del genio”. El exceso moralizante de muchas obras acaban por
destruir el espíritu de la misma, de no dar al espectador la posibilidad que sea él mismo el que
valore y juzgue las acciones de los protagonistas. Aquí, la figura puesta en juicio es Bob Fosse y
la figura rescatada del olvido es Gwen Verdon; aun con todo, la forma en la que se valoran a
estos personajes es con un respeto formidable. Aquí está el auténtico valor de la serie.
No es fácil rescatar figuras emblemáticas y elaborar “biopics” sobre ellas: en muchos casos, se
esconden los detalles más oscuros de la persona; en otros, se maquilla en exceso y la obra
acaba siendo una lavado de imagen de la personalidad (Mercury se merecía algo mejor que el
teatrillo de Bryan Singer). Esta serie no tiene edulcorantes, no es sencilla de ver, es dura y
destila una rabia incontenida hacía el presente: la relación tóxica del director y coreógrafo con
la bailarían es un exponente real sobre los excesos de mundo de la fama, sobre la importancia
de la igualdad en el cine, sobre la locura incontenida de la industria del espectáculo de querer
maquillar el mundo con tono alegre y un final “made in Hollywood”.

En otros aspectos, la serie posee una riqueza visual a la altura de las circunstancias: Bob Fosse
era un auténtico maestro generando climas y atmósferas musicales, por lo que la serie debía
mantener cierto estatus para tratar la figura del director. En cuanto a actuaciones, podríamos
estar hablando de dos de las mejores interpretaciones del año: Sam Rockwell, de nuevo,
demuestra que aquel merecido Oscar por Tres anuncios a las afueras, no fue ningún regalo;
Michelle Williams está por encima de todo, incluso por encima del propio Rockwell. Su
entregada interpretación compone un ejemplar retrato de una Verdon sacrificada, humillada;
una guerrera que no obtuvo el reconocimiento que merecía. Williams es posiblemente una de
las actrices más infravaloradas del momento y que más nos gustaría ver en pantalla.

Los hermanos Sisters

The Sisters brothers

****

Western

Director: Jacques Audiard

Estupendo western de participación española sobre dos hermanos mercenarios que tratan de detener a un buscador de oro que posee una fórmula mágica. Una película en la que aventura, western y drama humano se ensamblan a la perfección gracias a un guion de hierro..

De la India a París en un armario de Ikea

The extraordinary journey of the Fakir

****

Drama. Comedia

Director: Ken Scott

Divertido cuento para adultos cargado de positividad. La historia de un hombre que, a pesar de sus circunstancias duras y aparentemente sin salida, es capaz de encontrar un sentido esperanzado a su vida. Llena de valores educativos.

La intervención

L´intervention

***

Drama histórico.

Director: Fred Grivois

Recreación de un secuestro real de un autobús escolar en la frontera entre Djibouti y Somalia em los setenta. Rodada con precisión y buen ritmo, interpretada con convicción, la película ilustra con eficacia el final del periodo colonial francés. Muy lograda.

La tragedia de Peterloo

Peterloo

**

Drama histórico

Director: Mike Leigh

Larga, premiosa y un tanto ideológica aproximación a la represión que el gobierno británico realizó contra la población civil en 1919 en Manchester, cuando reivindicaban mayor participación en la política. Brillante dirección artística para un guion muy maniqueo.

Ruben Brandt, coleccionista

Ruben Brandt, Collector

***

Animación para adultos

Director: Milorad Krstic

Curiosa película de animación entre feísta y cubista de corte psiconalítico sobre un terapeuta obsesionado con ciertos famosos cuadros de la historia del arte. Con trepidantes escenas de acción y una estética de cómic adulto, es una cinta para exploradores del mundo de la animación.

Pokémon: Detective Pikachu

Pokémon Detective Pikachu

**

Fantástico

Director: Rob Letterman

Divertida adaptación de la saga, llena de guiños para los seguidores entusiastas. Se nota que detrás de la película hay fans que han hecho su trabajo con cariño. Los que no conocemos el asunto, nos quedamos un poco fuera de la película.

Enterrados

**

Drama

Director: Luis Trapiello

Un grupo de mineros asturianos quedan encerrados en una galería a cientos de metros de profundidad. Coproducción hispano-argentina de claustrofobia y dramas personales, aseada y correcta, aunque no brillante.

Bosch (2014-) es una serie de Amazon que tiene sabor a otra época. Su producción es moderna y de perfil alto, pero la historia que se nos cuenta es honda y trágica, como un solo de jazz, como un café con leche tomado en una fresca terraza al amanecer. Es la historia de un lobo solitario que no está solo en la vida, sino que tiene responsabilidades, como su hija. Es una especie de Mike Hammer (1997-1998) aunque menos onírico y con pareja policial. Es una especie de Luther (2010-) pero sin tanta metafísica y más velocidad de crucero.

Bosch es un policía de homicidios en la violenta megalópolis angelina interpretado por Titus Welliver, un habitual de la ficción serial televisiva que hemos visto como secundario en producciones tan dispares y excelsas como The Good Wife (2009-2016) o Hijos de la Anarquía (2008-2014). En esta ocasión encarna a un cincuentón todavía atlético, de aspecto impoluto, rictus imperturbable e infinita determinación. Es un extraño cruce entre un viudo y un divorciado. Su casa está encaramada en una colina, y cada noche, finalizada la dura jornada, el espectador le acompaña a su hogar, desde donde se otea una preciosa panorámica de la ciudad encendida, como un gigante lejano que se rinde a los pies de su entregada vida de detective.

Bosch es deudora argumentalmente de series clásicas como Canción triste de Hill Street (1981-1987) o la mucho más reciente The Wire (2002-2008), con la que también coincide en el reparto, aunque opta por una trama mucho menos coral y se centra más en la vida de este marine excombatiente que ha experimentado, tanto en sus propias carnes como en la de sus familiares, la violencia derivada de vivir en los Estados Unidos de América: su madre prostituta fue asesinada y su exmujer fue atropellada por ser agente del FBI y jugadora profesional de póker. Bosch es así una especie de Jack Bauer –24 (2001-2010)-, aunque sin tanta adrenalina y mucho más realista y zen, que intenta luchar contra las injusticias en los casos que le llegan, siempre en el límite de la ley.

En esta temporada se pone sobre el tapete la actualidad norteamericana con la plaga de los opiáceos que allí se vive. Durante mucho tiempo estos fueron recetados legalmente sin ton ni son por parte de los médicos. Sin embargo, la posterior regulación de su consumo exclusivo por parte de los casos más extremos, hizo emerger toda una población de adictos a la oxicodona que tuvo que buscar la droga por vías ilegales, potenciándose un mercado negro de dichos medicamentos así como el narco-tráfico. Así, en esta ocasión Bosch investiga una trama criminal de estas características a la vez que lucha contra los ecos que siguen llegando de su agitado pasado. Todo ello junto a sus compañeros habituales, que en esta ocasión ponen a colación cuestiones interesantes como el retiro de los policías en los Estados Unidos, la bisagra existente entre la política, el periodismo y la policía, lo cual a veces también recuerda a las fechorías de McNulty en The Wire.

Una serie que suele pasar desapercibida pero que resulta suculenta vista a tragos cortos, en estos tiempos frenéticos de Juego de Tronos. Ya empiezan a preparar la sexta temporada. Esa es la mejor prueba de su solvencia.

En 2014, Taika Waititi, el que sería el futuro director de Thor: Ragnarok, co-dirigió una de las sorpresas del año: Lo que hacemos en las sombras. Con un formato en falso documental, sigue el día a día de un grupo de vampiros que trata de vivir en el presente sin por ello perder “aquello que los caracteriza”. Junto con Jemaine Clement, toda una celebridad en Nueva Zelanda y famoso por la serie de la HBO Flight of the Conchords, idearon una de las comedias más gamberras y divertidas de los últimos años, comparada y puesta a la altura de El jovencito Frankenstein de Mel Brooks. Con su enorme éxito mundial y la creciente fama de ambos directores, la productora y canal privado FX decidió dar luz verde a una especie de secuela/remake del film en formato serie, siguiendo la misma premisa que la película y con resultados igual de disparatados.

Cambiando por completo a los protagonistas, la serie sigue las vivencias de un grupo de vampiros en Nueva York y las vicisitudes que deben de sufrir al tener que pertenecer a una especie tan poco “valorada”. Los golpes de humor absurdos siguen vigentes, llegando a ser en ocasiones más graciosa que su predecesora y con secuencias más conseguidos; desaparece algo del gore que poseía el film y los momentos más “burros” que podrían chocar a algunos espectadores, sustituidos por unos situaciones de humor más logrados y un trabajado guion. En ocasiones puede recodar a ese humor irreverente de los Monty Python, pero más comedido para que todo espectador que se acerque a ella pueda disfrutar por igual de una de las series más hilarantes y descacharrantes de la actualidad.

Los personajes están más definidos, que es a la vez una de las virtudes de las series televisivas: se posee de más tiempo para presentar y crear personajes con los que encariñarse. La dificultad de los creadores era no repetir algunos de los momentos por los que la película alcanzó la fama como es el ejemplo de los personajes principales, a los que todos conocían y tenían un afecto considerable. No en vano, esta nueva moda de adaptar películas a formato televisivo empieza a resultar abusiva y desmedida, recurriendo a un material que tiene vida propia y su propia identidad y transformándolo en algo totalmente ajeno a su espíritu. Ocurrió en 2015 con la película Sin límites de Neil Burger, con un Bradley Cooper en el amanecer de su fama y con Robert De Niro; ¿el resultado? Un producto que no sabe lo que es o lo que quiere ser. La vanagloriada serie Fargo, basada en la película de los hermanos Coen, que a pesar de poseer un considerable éxito peca de los que excesos ambiciosos: no quiere ser los Coen, pero inevitablemente caen en ello, pues fue su estilo y personalidad lo que atrajo la atención. Y así infinidad de ejemplos: Terminator, Westworld, Una serie de catastróficas desdichas… Algunos casos salen mejor que en las originales, pues es innegable que Hannibal, la serie de Brian Fuller, posee un encanto barroco, excesivo, arriesgado… O incluso Buffy, cazavampiros, cuya serie de Joss Whedon se basa en una horrible película, nada que ver con la serie.

Podemos considerar este fenómeno como la nueva moda del momento, que a pesar que su recorrido es largo (Loca academia de policía y Robocop también tuvieron series) han encontrado en la actualidad su nicho entre un público acostumbrando a la inmediatez y la rapidez de la vida. Lo que hacemos entre las sombras pertenece a este movimiento: capítulos fáciles de ver, de 20 minutos y muy atractivos visualmente. Todavía se desconoce si será renovada para una segunda temporada, a pesar del éxito entre la crítica (no tanto entre el público) que ha tenido. Lo que es cierto es que este es un producto fresco, bien realizado, ingenioso, hilarante y bien desarrollado.

En buenas manos

Pupille

****

Drama

Director: Jeanne Herry

Excelente descripción del proceso, tanto administrativo como humano, de adopción de un bebé. Una película que armoniza con realismo los múltiples puntos de vista que intervienen en una medida de este tipo, sin renunciar a profundizar en el drama humano de los personajes.

El bailarín

The white crow

****

Drama. Biopic

Director: Ralph Fiennes

Aproximación a la vida del famoso bailarín ruso Nureyev, sobre todo en la época del paso de los cincuenta a los sesenta, cuando ya es un artista famoso. Se centra en su vocación artística pasando de puntillas por su conocida promiscuidad. Un recital de buena danza, un interesante drama humano y una dura crítica al comunismo.

La primera cita

***

Drama.

Director: Jesús Ponce

Película española sobre una mujer con Alzheimer, cuyo marido, machista y mal encarado que descubre en la enfermedad una ocasión para humanizar la relación con su esposa. Una realización poco sofisticada al servicio de una hermosa y positiva historia.

Keepers, el misterio del faro

***

Thriller

Director: Kristoffer Nyholm

Un historia inquietantes secretos y amenazas soterradas en el ambiente claustrofóbico de una pequeña isla habitada solo por tres torreros. Buen reparto y dirección funcional para una historia de entretenimiento e intriga que se deja ver. Cierto nivel de violencia no la hace apta para cualquier estómago.

UglyDolls: Extraordinariamente feos

UglyDolls

***

Animación

Director: Kelly Asbury

Una película creativa y simpática para los más pequeños que propone dos formas de entender el mundo. Una animación esmerada y una paleta de colores  muy viva que entretendrá a los niños con mensajes positivos.

Vitoria, 3 de marzo

**

Drama

Director: Victor Cabaco

Recreación nostálgica de la huelga general que tuvo en Vitoria al comienzo de la transición española. A pesar de su interés, es dudosa su oportunidad al querer mostrar las páginas más oscuras de aquel positivo proceso político.

An Elephant Sitting Still

**

Drama

Director: Hu Bo

Tediosa y larga historia de varios episodios tremendamente fatalista y pesimista. Bien interpretada y con excelente fotografía es una triste ilustración del nihilismo de nuestra sociedad. Para estados de animo no proclives a la depresión.

La canción de nuestra vida

To Joey, with Love

***

Documental

Director: Rory Feek

Con el mismo planteamiento que La historia de Jan, este documental nos cuenta la historia del matrimonio formado por Rory y Joey, conocidos músicos cristianos de country que tuvieron una hija con síndrome dawn. Pero les esperaba algo terrible. Un testimonio de fe fresco y conmovedor que habla del valor de la vida y del sentido de la muerte.

Vengadores: Endgame

Avengers: Endgame

***

Superhéroes

Director: Anthony y Joe Russo

Diversas estrellas se dan cita en esta nueva entrega de Marvel en la que los directores, los hermanos Russo, vuelven a dar el do de pecho con una cinta que entretiene, propone valores positivos, tiene épica, humor y nos permite disfrutar de algunos de los más convincentes superhéroes.

Buñuel en el laberinto de las tortugas

***

Animación para adultos. Biopic

Director: Salvador Simó Busom

Reconstrucción en animación del rodaje del documental de Buñuel sobre las Hurdes. La película muestra el carácter impulsivo del cineasta surrealista, así como su amistad con sus compañeros de aventura. Una forma nueva e interesante de acercarse al director aragonés

Sin piedad

The Kid

***

Western

Director: Vincent D’Onofrio

Western clásico que nos lleva nada menos que a Billy el Niño, visto desde la perspectiva de un niño de verdad. Aunque quizá promete más de lo que da, la película está bien, se sigue con interés y supone una cierta mirada original sobre una historia de siempre.

Mutafukaz

***

Animación para adultos

Director: Shôjirô Nishimi y Guillaume Renard

En un lugar distópico del sur de los EE.UU. viven tres amigos, que tienen en común su condición de outsiders. En un mundo de violencia extrema, pobreza y corrupción, uno de ellos descubre que el Mal quiere abrirse camino en su vida. Una película muy interesante para un público acostumbrado a comics violentos e hiperrealistas.

Leto

***

Biopic. Musical

Director: Kirill Serebrennikov

Inmersión en el rock ruso en tiempos de la perestroika. La película reconstruye los comienzos del cantante Viktor Tsoi (1962-1990) y su encuentro con la estrella Mike Naumenko (1955-1991). Con aire documental y numerosas canciones, el film nos habla de los sueños de libertad al final del comunismo.

Gloria Bell

**

Drama

Director: Sebastián Lelio

Julianne Moore protagoniza este remake dirigido por el mismo realizador de la original, en el que dos divorciados ya maduros comienzan un romance crepuscular. Bien interpretada y dirigido, el film tiene el sabor agridulce de poner en duda la existencia de las segundas oportunidades

La importancia de llamarse Oscar Wilde

The Happy Prince

**

Biopic. Drama

Director: Rupert Everett

Deprimente aproximación a los últimos momentos de la vida de Oscar Wilde. Rupert Everett dirige y protagoniza esta cinta hecha a su medida que muestra al escritor en su declive físico, moral y económico. Una imagen nada idílica de Wilde para espectadores todoterreno.

Un corazón extraordinario

Dieses bescheuerte Herz

***

Comedia dramática

Director: Marc Rothemund

Película para el gran público sobre un impresentable treintañero que se replantea su propio modo de vida por el trato frecuente con un chaval gravemente enfermo. Historia positiva de maduración que habla de la familia, del sentido del sufrimiento y de la responsabilidad ante la propia existencia.

La espía roja

Red Joan

***

Drama

Director: Trevor Nunn

Judi Dench y Sophie Cookson protagonizan con solvencia esta película de espías que en forma de flashback nos lleva desde el siglo XXI a los años de la Guerra Mundial. Previsible en sus conflictos morales, muchas veces vistos, muy clásica, sin embargo se deja ver y entretiene suficientemente.

Donbass

***

Drama

Director: Sergei Loznitsa

Inquietante película de ficción pero con estilo documental en el que se muestran varios episodios del reciente conflicto entre el gobierno ucraniano y los sectores separatistas prorusos. Una imagen del absurdo de la guerra, de la arbitrariedad del poder y de la deshumanización general.

Gracias a Dios

Gracie a Dieu

**

Drama

Director: François Ozon

Película sobre el caso Barbarin, que a pesar de estar planteada con ponderación y equilibrio, no por ello deja de formar parte de la campaña mediática y social contera la Iglesia católica. Una película tan inteligente como peleona de uno de los directores más estimados en Francia.

La Llorona

The curse of La Llorona

**

Terror

Director: Michael Chaves

Fallida entrega de la saga Expediente Warren. Guion completamente previsible, estética manida, situaciones mil vistas y demasiadas inverosimilitudes. La atmósfera está bien y los intérpretes también. Sustos de diseño para incondicionales conformistas.

Bikes

**

Animación

Director: Manuel J. García

Producción hispano-chino-argentina que recuerda pobremente a Cars. Una defensa del medioambiente protagonizada por unas bicicletas animadas. Una película dirigida a los más pequeños, de mensaje positivo, aunque muy plano y obvio.

Los Fixies: Amigos secretos

Fiksiki: Bolshoy secret

**

Animación

Director: Vasiko Bedoshvili, Andrey Kolpin y Ivan Pshonkin

Película para los más pequeños sobre unas criaturas diminutas que habitan en los mecanismos y dentro de los aparatos. Muy colorista e imaginativa para niños menores de 9 años. Exalta la amistad, el trabajo en equipo, la responsabilidad y la obediencia.

Si hace unos años pudimos disfrutar de la quijotesca serie The newsroom sobre periodismo, cuyo guión estaba escrito por Aaron Sorkin, este año le toca el turno a Press, una producción de la productora Look Out Point, distribuida por BBC One con lo que ciertos estándares de calidad están garantizados. Esta miniserie de 6 episodios ha sido creada por el guionista Mike Bartlett, aunque ha sido dirigida por Tom Vaughan, autor de la estimable película Medidas extraordinarias y de la fabulosa serie Victoria.

El caso es que esta producción televisiva gira en torno a dos periódicos británicos  ficticios que tienen diferentes enfoques en el  tratamiento de la información, pues el Herald es un periódico serio de izquierdas frente al Post que es el típico medio de prensa amarilla tremendamente sensacionalista. El Herald representa a esos medios que intentan regirse por su búsqueda de la verdad, cueste lo que cueste, y digan lo que digan con cierta delicadeza. Se puede ver como se cuestionan la conveniencia de tener publicidad o no para poder mantener su independencia informativa. Por otra parte, el Post recuerda a todas las grandes cadenas de televisión españolas que van de la 1 a las 6 que buscan tener audiencia a toda costa exagerando los hechos; faltando a la verdad o manipulando la información con tal de ganar un espectador más que la cadena rival.

El melodrama de los personajes es el otro aliciente de esta serie de televisión, aunque sus relaciones de pareja  buscan casi siempre el hedonismo y no están vinculadas al compromiso.  Las relaciones de pareja, valga la redundancia,  son inestables.  Sin embargo,  algunos personajes casados tienen cierta sensibilidad y se plantean no separarse por no hacer daño a sus hijos.

El mayor peso dramático recae  en los dos periodistas rivales, personajes interpretados por Ben Chaplin y Charlotte Riley, que mantienen una misteriosa relación profesional y de amistad y que tienen un par de escenas brillantes en una iglesia, conocida como la de los periodistas, donde da la impresión de que se confiesan entre ellos en presencia de Dios y donde queda retratada la  presencia o ausencia de ética y sus sufrimientos personales junto al desgaste psicológico que supone que el fin justifique los medios.

En contraposición con lo positivo, la serie es políticamente correcta, mostrando a las mujeres como un dechado de virtudes con algún defectillo insignificante con claros guiños a la ideología de género frente a los hombres que son mostrados como personas carentes de valores y a veces con grandes ausencias de escrúpulos,  no se salvándose ninguno. Finalmente da la impresión de que su creador da entender que los medios de comunicación conservadores no tienen el alto grado de ética de los medios  considerados progresistas, aunque había que plantearse realmente qué significa ser progresista.

Kevin Feige, presidente de los Estudios Marvel, se ha hecho de oro. El mega proyecto de películas Marvel, englobado en un Universo cinematográfico formado por los superhéroes más reconocidos, culmina en 2019 con el estreno de Los Vengadores: Endgame; las expectativas no pueden ser mayores. Tres horas de duración y lo que se vaticina el nuevo fenómeno Titanic (promete arrasar con todo), pondrá a su fin un proyecto iniciado en 2008 con El increíble Hulk y Iron Man. Once años de trabajo, decenas de películas, series e historias complementarias en el mundo del comic y la literatura; sin duda, un proyecto de una ambición desmesurada y (sinceramente) valiente. Pero cargante. Durante once años, las películas de superheores han estado presente en nuestras vidas, para divertirnos y ofrecernos un sano entretenimiento; en otras ocasiones nos daba mucho más (El soldado de invierno es una de las mejores cintas de espías de los últimos años y Iron Man 3 nos recuerda a las mejores novelas de Tom Clancy); pero a veces el resultado era sencillamente mediocre (Los vengadores: La era de Ultron y Thor: El mundo oscuro son dos ejemplos bastante buenos).

El mundo televisivo no ha sido menos: Jessica Jones, Daredevil, Iron Fist, Luck Cage, El castigador… Y Legión. Esta última no es solo la más interesante de las series: es el proyecto Marvel más ambicioso, extremo, arriesgado, audaz, creativo y brillante de toda su carrera. Once años y su mejor trabajo es una serie que surge del anonimato, con un personaje desconocido para muchos (que no menos importante), y que está a punto de terminar este mismo verano. La cadena FX, en colaboración con Marvel Television, dio luz verde a que Legión, personaje procedente del universo de los X-Men, tuviera su propia serie de la mano del brillante director y showrunner de Fargo, Noah Hawley.

La historia nos presenta a David Haller, un joven esquizofrénico internado en una institución mental y que lucha día a día contra sus propios demonios internos. Un día conoce a Syd y su vida da un giro de 360º: con ella descubre que posee superpoderes y que en su interior habita un ser maligno que trata de vengarse por una antigua afrenta con un pariente muy próximo. Los que conozcan a Legión sabrán que no es un mutante cualquiera: seguramente sea el mutante más poderoso y destructivo de todos, cuyo progenitor no es una persona cualquiera (los que sepan este detalle, fenomenal; los que no, recibirán una agradable sorpresa en la 3º temporada) y cuyo papel en el mundo Marvel es bastante más importante de lo que parece (véase La era de Apocalipsis, comic genial que dio una película realmente lamentable).

Lo interesante de la serie, más allá de su conexión con el mundo Marvel, es su increíble complejidad. Se desarrolla, en su mayoría, en planos astrales donde muy difícilmente se es capaz de saber qué es real y qué no; el tratamiento de los mundos oníricos y los universos paralelos, así como el manejo de los propios superpoderes, se presentan aquí de una forma pocas veces vista en un serie de estas magnitudes. Es como mezclar el mundo de David Lynch, Luis Buñuel y la imaginación de los cineastas de la Nueva ola de cine checoslovaco. La creatividad sin límites de los creadores de la serie ha dado como fruto un proyecto que, fácilmente, puede emparentarse con la malograda y brillante serie de la HBO, Carnivàle: visualmente impactante y muy trabajada; amplia en todos los sentidos, llegando a abarcar todas las realidades posibles y con una amplia variedad de seres extraños.

Con sus dos temporadas, Legión se ha consagrado como una serie de culto que ha ido más lejos que cualquier producto Marvel, y es que cuando un creador tiene la posibilidad de trabajar y crear sin ningún tipo de límites y trabas, el resultado es cuanto menos interesante. Como formato ni si quiera se acomoda a las plantillas creadas por sus antecesoras: la primera temporada, que solía ser la presentación de un personaje en una serie normal, aquí nos sumerge de lleno en la sique del protagonista; nos empapa de información; nos bombardea con imágenes impresionante, secuencias que nos muestra el estado mental de David. La segunda temporada va mucho más lejos: más compleja, arriesgada, ambiciosa. Un mundo creado con la más amplia libertad, sin necesidad de “atar cabos”, como ocurre en las películas Marvel para dar continuidad.

Legión da más de lo que promete: es un viaje fascinante sin límites que nos sumerge en la mente de un ser enfermo, como nunca antes habíamos visto. Impactante, a veces confusa, pero siempre inteligente; diferente a todo lo que se ha visto antes en televisión (en algunos capítulos se ha llegado a mezclar animación con imagen real). La tercera temporada promete ser tan loca y arriesgada como las anteriores, por ello estaremos expectantes ante el regreso del proyecto Marvel más alucinado, temerario y audaz de su corta historia.