Notícies d'Esglèsia

La semana pasada se clausuró la 50ª edición del Festival de Cine de Nyon (Suiza), en donde tuve el enorme placer de ser miembro del Jurado Interreligioso, compuesto por un musulmán, una judía, una pastora protestante y un católico. Un lujo poder compartir la pasión por el cine y por lo humano, generando un diálogo interreligioso tan fecundo y enriquecedor.

El festival de Cine Visions du Reel (Visiones de la realidad) consigue transmitir una mirada precisa y urgente sobre la situación del mundo actual. Pero no hablamos de películas de ficción sino de documentales; historias reales que son verdad y que inevitablemente tienen un punto de penetración aún mayor que las de ficción. Los temas han sido tan variados como: la tragedia de los refugiados (Those Who Remain; promovida por el partido político Podemos), el valor de las relaciones familiares (Norie, When the Persimmons Grew, Century of Smoke y Pahokee), la identidad de un pueblo y la importancia de custodiar su cultura (Aether, Dreams from the Out Back, Kiruna – A Brand New World o Heimet is a space of time) o cómo las ideologías y las modas nos vapulean interiormente haciéndonos perder nuestra identidad (Out of place o Passion. Between Revolt and Revolution). Temas vitales que el género documental consigue acercarnos con eficacia y rotundidad.

Vale la pena destacar alguna de las películas más relevantes: la japonesa Norie, la arriesgada That which does not kill de la directora Alexe Poukine y la ganadora del Premio del Jurado Interreligioso When The Persimmons Grew.

Con la japonesa Norie asistimos al viaje de un padre y un hijo en busca de los recuerdos de Norie, la esposa recién fallecida de este padre que oculta un gran dolor. Una historia delicada sobre el dolor de la pérdida, pero también sanadora por mostrar con sencillez cómo una herida familiar enquistada con el tiempo, puede mirarse con ternura y esperanza. Aunque técnicamente no es destacable, el arco de transformación del personaje está tan bien narrado, que merece un reconocimiento. Además es el propio hijo en la vida real, el director y realizador de la película, que a través de este proyecto, consigue reconducir un tema familiar de gran importancia.

Y llegamos a la valiente, arriesgada y quizás más polémica, That which does not kill. La película nos cuenta a través de varios personajes, sobre todo mujeres, la experiencia de ser “forzadas y violadas” por amigos, conocidos o familiares. A parte de la justa y conmovedora posición de víctima, el film sorprende porque plantea una extraña relación afectiva entre víctima y “violador”. Incluso una de las mujeres afirma haber ido hasta tres veces más, a casa de aquel que la había forzado; como si a pesar de la lo vivido aflorara una confusión afectiva de dependencia con el agresor. También vemos a un joven varón de unos 20 años narrando cómo un día forzó sexualmente a su novio; y que en lugar de provocar una ruptura, sorprendentemente le dijo, tras la agresión, que creía que era el hombre de su vida. Una película sin ningún interés visual, ya que consiste en una cámara fija en formato entrevista clásica, pero de una sorprendente y desconcertante evolución afectiva de los personajes.

Y, por último, When the persimmons grew, del director de Azerbaiyán, Hilal Baydarov. Sin duda una obra maestra, solo disfrutable para cinéfilos, que consigue convertirse en un viaje para el alma y que evoca al mejor cine de Andrei Tarkovski. La historia de una madre, que vive en paz en pueblo rural, y de sus dos hijos, que vienen de la ciudad a visitarla cada vez que hay que recolectar los persimmons, los kakis. Una película lenta, no para todos los públicos, que enamora con su simbolismo visual y que mejorará con el paso del tiempo.

Quizás todas estas películas tarden en llegar a nuestros cines, pero las historias que nos cuentan tienen mucho que ver con los asuntos que nos preocupan a todos: con la inmigración, con el desplazamiento de los refugiados y con nuestras familias. Estaremos atentos al estreno de todas ellas. No se las pierdan.

Quiero comerme tu páncreas

Kimi no suizô wo tabetai

****

Anime japonés

Director: Shin’ichirô Ushijima

Maravillosa historia romántica, llena de pureza y autenticidad, al estilo de Amor bajo el espino blanco. Aunque trata de la enfermedad de una joven, como Bajo la misma estrella, evita el melodrama  y prima el canto a la vida, al amor y al sentido de los vínculos.

El parque mágico

Wonder Park

***

Animación

Director: Dylan Brown

Película de animación imaginativa y decentemente resuelta. La cinta aborda cuestiones como la familia, el sufrimiento infantil y la imaginación terapeútica. Aunque no llega al nivel de algunas películas de Pixar, es emotiva y divertida y sobre todo, cargada de valores positivos.

A la vuelta de la esquina

In den gangen

***

Drama

Director: Thomas Stuber

Con un claro estilo a lo Aki Kaurismaki, esta cinta alemana nos cuenta la frágil y pura historia de amor entre un novato reponedor de un gran supermercado y otra de las empleadas. Una delicada y melancólica puesta en escena al servicio de una película dura y amable a la vez. Para cinéfilos que buscan algo distinto. Delicatessen.

Mia y el león blanco

Mia et le leon blanc

***

Aventuras

Director: Gilles de Maistre

Como si se tratara de una película Disney de los setenta, la cinta nos lleva a Africa, donde una preadolescente rubita y occidental, compensa su inconformismo y rebeldía vital con la amistad con su mascota, un cachorro de león. El problema se plantea cuando este crece y su padre decide quitárselo de en medio. Peli familiar para pasar el rato.

El día que vendrá

The Aftermath

***

Drama

Director: James Kent

Keyra Nightly protagoniza esta cinta ambientada en la Alemania de la postguerra. Una historia sobre las heridas de la guerra y la convivencia entre vencedores y vencidos, mezclada con historias sentimentales a lo Madame Bovary. Brillante puesta en escena para un guion que no pasará a la historia

La profesora de parvulario

The Kindergarten Teacher

**

Drama

Director: Pierre Schoeller

Innecesario remake de una homónima película israelí de 2014 sobre una maestra que se obsesiona con un alumno que da muestras de ser superdotado. Lo que podría ser una estupenda película educativa, desemboca en un drama morboso e improbable. Lo salva una excelente Maggie Gyllenhaal.

La superheroína de la Marvel Jessica Jones (2015-2019) tiene ya dos temporadas y está a punto de tener una tercera. Interpretada por Krysten Ritter, la actriz que un día interpretó a Jane Margolis, la novia heroinómana de Jesse Pinkman en la imborrable Breaking Bad (2008-2013), esta hiper-mujer desbanca a lo grande a los demás intentos de Netflix de llevar teleseries de superhéroes a nuestras casas: Daredevil (2015-), Lucke Cage (2016-) o Iron Fist (2017-).

En la primera temporada, la detective Jessica Jones encajaba a la perfección en el estereotipo de una antiheroína posmoderna mezclado con el del típico detective masculino del cine negro americano al más puro estilo Mike Hammer (1984-1989). Jessica es un personaje cargado de tiniebla, de traumas por resolver, víctima del noctambulismo así como del alcoholismo y del sexo casual, que se convertían en una especie de automedicación para combatir una endémica ansiedad de caballo provocada por sus mil conflictos por resolver: violaciones, abusos, superpoderes, asesinatos, una madrastra tremendamente manipuladora y posesiva –la mítica Rebecca de Mornay unos años más tarde-, y muchos otras cosas que solo se insinúan.

Sin embargo, en la medida en que la trama permite ir desenroscando al personaje y darle tiempo y espacio para afrontar sus problemas vitales, la segunda temporada pierde esa ubicua y tétrica oscuridad, trascendiendo esa noche del alma neoyorquina, para que la protagonista inicie su proceso de redención. Es por eso que la segunda entrega de la teleserie no requiere de un malvado supervillano, como era el caso de Kilgrave en la primera, que conseguía dominar la voluntad de toda la ciudad desde su psicopatía sin fronteras. Basta con el magistral trabajo de Ritter, esta actriz de melena azabache, belleza pálida y perfil hipnótico, para seguir con avidez la evolución del personaje a través de los trece episodios de la segunda entrega.

La propietaria de la agencia de investigación Alias, siempre magullada corporal y espiritualmente, vestida con los mismos tejanos ajustados y su chupa cruzada de cuero negra, se convierte así en la protagonista de una odisea posmoderna, cuyo viaje la va a llevar tanto a un descubrimiento como a una mayor aceptación de sí misma. Desde una Jessica huraña, rocosa e impenetrable, vamos a asistir al nacimiento de una mujer más humana, sensible y afectiva, que así va a conseguir canalizar sus poderes sin vivir la oposición entre la justicia y su vida personal. Y todo eso va a suceder de la mano de una clarificación de su historia personal, del vínculo con su madre biológica a la que perdió en un accidente de tráfico en su adolescencia y de la relación con el médico que la convirtió en esa especie de atractiva Frankenstein que es. De hecho, incluso va a dejar de vivir su sexualidad como un deporte de contacto para pasar a integrarla dentro de una relación amorosa.

Acompañándole en el viaje tenemos a su rubia, entrometida y famosa hermanastra Trish Walker, a su ayudante exyonqui Malcolm Ducasse y a la inteligentísima y maquiavélica abogada lesbiana y de altísimos vuelos Jeri Hogarth, interpretada magistralmente por una madura Carrie-Anne Moss –sí, sí, la Trinity de Matrix (1999)- que es la única capaz de disputar el magnetismo de la pantalla con sus miradas de un gélido azul y sus maquinaciones siempre egoístas.

Werk ohne autor

Drama

Director: Florian Henckel von Donnersmarck

El director de La vida de los otros nos ofrece otro largo relato nada complaciente sobre el nazismo, el socialismo y el posterior capitalismo en su Alemania natal. Una historia impactante en la que la vida y la esperanza se acaban imponiendo al mal y a la mentira.

I can only imagine

Drama. Biopic

Director: Andrew y Jon Erwin

La historia real de Bart Millard, compositor y cantante del grupo de rock cristiano Mercyme. La película cuenta la vida de este músico para comprender el sentido de su canción más famosa I can only imagine. Un drama de relaciones paternofiliales, de perdón y redención. Buena música al servicio de una historia de esperanza.

Superhéroes

Director: David F. Sandberg

Este viejo héroe de la DC irrumpe en la pantalla con mucha dosis de humor y parodia. Un chaval convertido en superhéroe nos sirve una película entretenida, divertida, y que exalta los valores familiares. Película para el gran público que no deja huella pero que da lo que promete.

Pet Sematary

Terror

Director: Dennis Widmyer y Kevin Kölsch

Remake de la ochentera película homónima que en su día contó con un guion del mismo Stephen King. Mitologías indias, sobrenaturalismo demoniaco y atmósferas macabras componen una película de mascotas zombies que no llega a la altura de su predecesora.

Un people et son Roi

Drama histórico

Director: Pierre Schoeller

Interesante pero pesadita reconstrucción de los momentos de la Revolución Francesa que acabaron con Luis XVI en la guillotina, contado desde la perspectiva del pueblo. Lo mejor es el retrato sobrio y sinceramente religioso del malogrado monarca.

Premiere Annee

Drama

Director: Thomas Litti

Dos estudiantes de primero de Medicina se enfrentan a la competitiva carrera de fondo de superar las pruebas de acceso. Aunque el final es brillante, el resto resulta reiterativo y supone una profusa ilustración de lo que es la vida de un estudiante. Algo que sabemos todos.

Boy erased

Drama

Director: Joel Edgerton

Nicole Kidman y Russell Crowe interpretan a los padres de Jared, un joven que da a conocer su homosexualidad y que es internado en un centro de terapia. Basada en un caso real, la película es alegato contra la hipocresía y de paso, un ataque a la religión.

Drama

Director: Michael Caton-Jones

Un antiguo agente del Mossad trabaja como asesino a sueldo al servicio de grupos de poder judíos. Pero en su vida se cruza una bella mujer que va a desviar su interés. Lenta y melancólica, la película se deja ver a pesar de sus fallos de ritmo y de guion, quizá por la interpretación de Ron Perlman y Famke Janssen.

Comedia surrealista

Director: Gerard Quinto, Esteve Soler y David Torras

Siete cortos surrealistas sobre los defectos de nuestra sociedad. La intención es buena y el reparto magnífico, pero el resultado es feísta, a menudo muy pasado de rosca, e incluso desagradable. Unos cortos tienen más interés que otros, pero el conjunto es bastante prescindible.

Destination wedding

Comedia

Director: Victor Levin

Winona Ryder y Keanu Reeves nos brindan los peores papeles de su carrera para contarnos una historia supuestamente romántica, pero que carece de empatía e interés, es anodina, inverosímil y previsible. Ideal para ver en el AVE después de un día de mucho estrés.

El pasado 15 marzo, la plataforma streaminig Netflix estrenó una de sus apuestas más arriesgadas y ambiciosas del año: Love, Death + Robots, una serie de animación antológica creada por Tim Miller (director de Deadpool) y producida por el aclamado director David Fincher (El club de la lucha, Seven…). Para aquellos que no estén familiarizados con el término, una antología es un conjunto de capítulos con historias independientes, con un cierre y un fin, sin relación a los capítulos siguientes: véase American Horror Story o American Crime Story (aunque en este caso hablamos de temporadas antológicas). La serie nos sumerge en un fascinante universo donde las maquinas han cobrado vida y alma, los seres mitológicos son tan tangibles y peligrosos como los mortales; un mundo, en su mayoría oscuro, deprimente, cargado de un fuerte crisis existencial del ser humano y su papel en el Universo; un mundo violento, sin contemplaciones, lleno de sangre, sudor, aceite y válvulas mecánicas. Una mezcla de géneros y tonos que definen una de las producciones más singulares y visualmente impactantes de Netflix, definida como una suerte de unión entre el impactante film de animación Heavy Metal y el universo de Moebius en su saga de comics Metal Hurlant.

Comedia, horror, suspense, romance… todo ello en un envoltorio de sci fi y cine negro que destila elegancia por los cuatro costados. La serie está formada por 18 episodios que oscilan entre los 5 y los 18 minutos de duración. Cada capítulo presenta la trama con una animación diferente al anterior, por ello encontramos animación en 3D, en 2D, rotoscópica, dibujos afines al cómic, a los videojuegos… Un amplio catálogo de animación muy bien hecha y estimulante. Mucho de los capítulos se centran en naves espaciales, viajes que acaban en el lugar menos esperado… Otros tratan antiguos mitos y reformulan momentos históricos… Otros son pequeñas sátiras presentadas bajo un halo de humor negro… Y una última categoría que se sitúa por encima del resto al plantear cuestiones realmente trascendentales y de calado espiritual. Es en esta última categoría donde centraremos nuestra atención, atendiendo a tres episodios: Three Robots (episodio 2), The Witness (episodio 3), Zima Blue (episodio 14).

Three Robots es el episodio más amable, a la par de amargo, de la serie. Una pequeña sátira donde tres robots hacen turismo por un devastado mundo sin humanos y charlan sobre la raza humana. La cuestión es tan vigente como preocupante, pues el capítulo es una alerta de lo que el ser humano hace con los medios naturales de los que dispone y su papel en el mundo: en cierta medida, nos creemos dueños de la creación, con la suficiente capacidad para domarla y alterarla a nuestro antojo y placer. Un pensamiento erróneo que puede tener graves consecuencias. Con semejante premisa y una animación muy bien trabajada, el capítulo se las arregla para ser una mordaz sátira en clave de humor ácido e irreverente.

The Witness, además de ser uno de los episodios visualmente más elaborados es también un ejemplar neo-noir cargado de suspense. El eterno retorno y circulo existencial del ser humano, que yerra una y otra vez, es uno de los temas centrales que desarrolla una aparentemente sencilla trama: una mujer es testigo de un asesinato y se ve perseguida por el agresor. Agobiante y realmente conseguido, el creador del corto es también el encargado de la animación de Spider-Man: Into the Spider-Verse, lo que puede explicar que su estilo de animación sea tan parecido. Algo sórdido y violento pero maravillosamente bien armado.

Zima Blue no es solo el mejor episodio de la serie: es una joya de la animación y un nuevo hito en el mundo del cine. Una historia tan compleja que va desde la relación de Dios con el mundo, nuestra visión del propio “creador” y la psique de un ser superior. La historia de un pintor que osa situar en el centro de sus creaciones un pequeño recuadro azul evoluciona y avanza hasta atrapar por completo al espectador en una reflexión teológica sobre lo que consideramos que es Dios: cuál es su papel en el mundo, qué hace con nosotros. O qué hacemos nosotros con él. Al final, le reflexión es tan simple y maravillosa que nos fascina por completo la complejísima forma de llevarnos hasta un desenlace sutil y hermoso.

La serie, en general, no mantiene la tónica en todos los episodios: algunos sencillamente son entretenidos, piezas destinadas a un consumo rápido que aligeran la serie. Otros se desmarcan como piezas pulp más propio del exploitation y el cine grindhouse, camuflados bajo una apariencia de pieza de primera por su lujoso envoltorio. De esto se supone que la serie contiene escenas de violencia duras, algunas muy fuertes, aunque no llegan a un nivel escandaloso de violencia gratuita desmedida. Sin embargo, la serie ha causado un gran revuelo en las redes sociales y es actualmente uno de los fenómenos streaminig más destacados del panorama cinematográfico.

Dumbo

****

Fantástico. Aventuras

Director: Tim Burton

Tim Burton abandona sus atmósferas oscuras y tenebrosas para ofrecernos un cuento infantil con espectaculares imágenes y un guion muy emotivo. Una película blanca y familiar que entretendrá a pequeños y mayores

La caída del Imperio Americano

La chute de l’empire américain

***

Comedia dramática

Director: Denys Arcand

Un filósofo tímido y solidario se ve implicado en el asalto a un banco. Divertida peripecia que pone en cuestión los valores del mundo capitalista. Una brillante realización al servicio de una interesante mirada sobre nuestro mundo. Para público adulto.

Ballad From Tibet

Tian Lai Meng Xiang

***

Aventuras

Director: Zhang Wei

Deliciosa historia de cuatro niños ciegos que se escapan del Tibet para concursar en un programa musical de la televisión. Impresionante fotografía, buena música y unos niños estupendos nos hablan del compañerismo, los sueños y la felicidad.

Conociendo a Astrid

Unga Astrid

***

Drama. Biopic

Director: Pernille Fischer Christensen

Retrato casi trágico de un periodo de la vida de Astrid Lindgren, la autora de Pipi Calzaslargas. Una vida de adulterios, abandonos, maternidad dramática y sinsabores. Bien interpretada y dirigida, no es apta para cualquier estómago, a pesar de su interés.

Las invisibles

Comedia

**

Drama

Director: Louis-Julien Petit

Película de temática social sobre un centro de acogida de mujeres. Lo interesante es cómo se abordan las cuestiones desde la perspectiva de las mujeres, de las trabajadoras sociales y de la administración, haciéndote entender el punto de vista de cada uno.

Nación salvaje

Assassination Nation

**

Thriller

Director: Sam Levinson

Tremenda descripción de nuestro mundo de redes sociales, en el que estamos a merced de cualquiera. Una crítica dura a la hipersexualización de la sociedad, al uso indiscriminado de las redes, al populismo y a la violencia. Muy explícita en lo verbal y muy gore. Para espectadores muy curtidos.

Con una selección oficial algo cuestionable, el Festival de Cine de Málaga de este año ha premiado la cinta catalana Los días que vendrán con la biznaga de oro a la mejor película y a la mejicana Las niñas bien como la mejor película latinoamericana. Pero hagamos en un pequeño repaso a las mejores propuestas del Festival.

La tecnología nos ha hecho más reactivos y acelerados en nuestra vida diaria, hemos perdido serenidad y muchas veces cabalgamos de emoción en emoción sin ser dueños de nuestros propios caminos. La película argentina Aire, del director Arturo Castro nos muestra a una madre desbocada ante un accidente que sufre su hijo, con síndrome de Asperger; una serie de acontecimientos le harán entender que la vida es aún peor si nos empeñamos en vivirla solos. Con una segunda parte algo alargada, Aire resulta muy interesante por el uso que hace del sonido, al incorporarle “asma” a la madre, y por la tensión que genera durante toda la película.

Por otro lado, tenemos la película Las niñas bien, un interesante ejemplo del desmoronamiento social y personal, que sufre un matrimonio millonario al perder de repente todo lo que tiene. Curioso cómo es el marido, el que toca fondo, quien recupera una ternura en la mirada propia de una humanidad escarmentada. También en México en los años 80, se produjo una especie de desmoronamiento social, cuando se vivieron las consecuencias de la revolución del Mayo del 68: libertad sexual, drogas y una ausencia de cualquier autoridad (ni padre, ni Estado ni Dios); todo esto muy explícitamente contado en la sórdida y turbulenta Esto no es Berlín.

Pero si hay un tema que atraviesa todo el Festival sería el de la mujer, la maternidad y la vida. Películas como La niña errante, Yo niña, El despertar de las hormigas o Los días que vendrán nos presentan historias protagonizadas por mujeres, dos de ellas niñas, cargadas de enorme belleza y autenticidad. Los días que vendrán, ganadora de la biznaga de oro a mejor película, del premio del Jurado Joven y del premio Signis, nos cuenta la historia de una pareja que, sin querer ser padres, descubren cómo un embarazo les puede cambiar la vida. Una mirada íntima casi documental de la maternidad rodada mientras sus protagonistas, David Verdaguer y Maria Rodríguez Soto, esperaban su primera hija en la vida real.

Por todo lado, la película argentina Yo niña, dirigida por Natural Arpajou, nos transmite con elegancia y sencillez la trascendencia; con una niña como protagonista que mira al cielo esperando el amor que necesita y anhela. Interesante también la valentía de la película Litus por afrontar el tema del suicidio que, aunque sea con estructura teatral, consigue adentrarse en un tema tabú que muchos silencian. La producción valenciana La Banda transmite con elegancia formal una historia de iniciación y búsqueda personal agradable y bien concluida. Y además recoge con sencillez y respeto, la tradición española de las bandas de música; historia y cultura de este país. Y, por último, Staff Only o el florecer de la conciencia y Buñuel o el laberinto de las tortugas; una muy digna producción de animación que convence y entretiene.

En definitiva, un Festival de cine cargado de propuestas donde la mujer, la maternidad y la vida terminan coronándolo todo. Estaremos atentos al estreno de cada una de estas películas para seguirlas con interés y muy de cerca.

El verano pasado, la productora HBO, se sacó de la manga una potente serie titulada: Heridas abiertas, creada por Marti Noxon. Este producto televisivo parece un homenaje a El silencio de los corderos, dirigido,  por Jonathan Demme y protagonizada por Jodie Foster y a la película Tres anuncios en las afueras.

Esta miniserie se basa en la novela homónima de Gillian Fynn. La dirección ha corrido a cargo de Jean-Marc Vallée, recordado por Dallas buyers club. Cuenta una historia muy dura,  bastante morbosa y demasiado gráfica con lo que puede herir la sensibilidad del espectador. Pretende ser una crítica la América profunda, cargada de todos sus tópicos y contrastando con la visión tan positiva que se dio en la pequeña perla The rider. La serie en cuestión es un thriller morboso e inquietante, que mantiene la intriga hasta el último fotograma y, poco a poco, van desvelando los secretos de una familia de clase alta en un pueblecito perdido de los Estados Unidos con numerosos giros argumentales muy brillantemente propuestos. La religión, aunque con excepciones, es mostrada como rancia y pasada de moda.

La periodista Camille Bricker, magníficamente interpretada por Amy Adams (lo mejor de toda la serie), es enviada a su pueblo natal para informar de una serie de crímenes que están alterando la tranquila tranquilidad de un pequeño pueblo rural. Esta mujer intentará descubrir al asesino, mientras bucea en el oscuro pasado de ella misma y  su propia familia.

La serie invita a reflexionar sobre el calvario que es necesario pasar en algunas ocasiones para el autoconocimiento y  la comprensión de que es lo que te ha llevado a ser lo que eres, y como la ausencia de referentes, te hace perder el norte y caer en adicciones.

Dolor y Gloria

****

Drama

Director: Pedro Almodóvar se desnuda en este casi autorretrato crepuscular. Antonio Banderas da vida a un trasunto de Almodovar, sacando a la luz sus dramas, miedos y soledades. Una de sus mejores películas, sincera, honesta y sin asomo de ideología.

Almodóvar

Onyx, los reyes del Grial

Onyx, Kings of the Grail

****

Drama

Director: Roberto Girault

Más cerca del documental que de la ficción, la película acompaña el proyecto de investigación de unos historiadores que siguen el rastro de unos documentos que casi por casualidad les llevan hasta el cáliz de la Última cena. Muy interesante y pedagógica.

Funan

***

Animación

Director: Dennis Do

Impecable relato en animación del horror que los jemeres rojos impusieron en Camboya en los años setenta. El director, de origen camboyano, rinde un homenaje a su familia en esta inolvidable e implacable película contra el comunismo real.

Zaniki

***

Pseudo documental

Director: Gabriel Velázquez

Película pequeña que reivindica las tradiciones ancestrales de la España rural y que se están perdiendo por completo. Se ubica en un pueblo de Salamanca, donde la familia Mayalde conserva formas musicales y costumbres que se pierden en la noche de los tiempos. Estupenda propuesta cuya sombra es un final fatalista y pagano.

Bel Canto (La última función)

Bel canto

**

Drama

Director: Paul Weitz

Película inspirada en los sucesos reales de un asalto con rehenes en la embajada japonesa en Lima en 1996. La película quiere tocar demasiados palos y es inverosímil en ciertas situaciones. Pero se deja ver, tiene su interés, y permite disfrutar de esa gran actriz que es Julianne Moore.

Nosotros

Us

**

Terror

Director: Jordan Peele

Película con interesante comienzo y curioso giro final. El resto son variaciones sobre una persecución sangrienta. Lo que podía ser una sugerente cinta de terror filosófico se queda en un cierto ejercicio de estilo, brillante en lo formal pero pobre en lo demás.

Beautiful Boy, siempre serás mi hijo

Beautiful Boy

***

Drama

Director: Felix Van Groeningen

Dura película con Steve Carrel sobre un padre que lucha por sacar adelante a su hijo drogadicto. Lenta y contemplativa, la película bucea en el alma de un padre roto en mil pedazos. Puede resultar reiterativa, como lo es la adicción a las drogas. Conmueve, pero no es para cualquier estómago.

Mirai, mi hermana pequeña

Mirai

***

Animación

Director: Mamoru Hosoda

Encantadora historia familiar sobre un niño pequeño que sucumbe a los celos cuando su madre da a luz a su hermana. Con la fantasía típicamente japonesa y una brillante animación, la película es un canto a la familia y al sentido de pertenencia.

Yomeddine

***

Drama

Director: A.B. Shawky

Pequeña película egipcia sobre un leproso que busca a su familia, que le abandonó, Una road movie en burro, muy positiva y muy humana, pero también para gustos un poco minoritarios. Protagonizada por actores no profesionales que en realidad hablan de sus vidas.

El Gordo y el Flaco (Stan & Ollie)

Stan & Ollie

**

Drama. Biopic

Director: Jon S. Baird

Fallida pero tierna película sobre los últimos años de la pareja cómica más famosa del mundo. El film nos muestra la vida privada del Gordo y el Flaco, los vaivenes de su amistad, y el declive de su carrera. El guion nunca conmueve, pero se ve con la simpatía que merecen ese grandes genios.

Taxi a Gibraltar

**

Comedia

Director: Alejo Flah

Dani Rovira protagoniza esta comedia tipo road movie sobre tres perdedores que viajan a Gibraltar en busca de oro. Disparatada, funciona de forma irregular aunque deja momentos divertidos.

Contemplación

Notes on Blindness

**

Drama

Director: Peter Middleton y James Spinney

Interesante película de aire documental sobre el caso de un hombre que se fue quedando ciego y que fue grabando sus reflexiones sobre dicho proceso y su nueva forma de vivir la realidad. La historia de un hombre en busca de sentido.

Maya

**

Drama

Director: Mia Hansen-Løve

Película francesa del tipo chico conoce chica, a la que hay que añadir “y no pasa nada”. Su valor reside en las imágenes realista de la india y en la corrección de las interpretaciones, pero el film no va a ningún sitio. Pretenciosa, pero vacía. Pero el viaje turístico es interesante.

Escape Room

**

Terror.

Director: Adam Robitel

Adaptación del homónimo juego popular que busca crear atmósferas claustrofóbicas y terroríficas al estilo de Cube, pero sin llegar a su nivel. Mucho susto y situaciones extremas para un público minoritario que busca este tipo de productos

Les Unwanted de Europa

**

Drama histórico

Director: Fabrizio Ferraro

Película de autor sobre el viaje del filósofo Walter Benjamín cruzando los Pirineos huyendo del nazismo. Un excelente blanco y negro, planos eternos y muchos silencios. Una película exclusiva para cinéfilos muy vocacionales.

Capitana Marvel

Captain Marvel

***

Superhéroes

Director: Anna Boden y Ryan Fleck

Una directora dirige una película de superhéroes de la Marvel protagonizada por una heroína, Karell, que compite con la Wonder Woman de la DC. Típica, pero entretenida, resuelta con eficacia y con demasiados referentes al mundo del cómic. Un elogio de la perseverancia.

Mula

Mule

***

Drama

Director: Clint Eastwood

El veterano Clint Eastwood vuelve a ofrecernos una historia sobre un anciano pasado de rosca para acabar reivindicando el valor de la familia y de la responsabilidad del matrimonio. Entretenida, a ratos divertida, a ratos melodramática, es una propuesta bastante aceptable. No apta para menores.

70 binladens

***

Thriller

Director: Koldo Serra

Intenso thriller de robo de bancos, con giros de guion y escenas fuertes. Aunque no es muy original, está muy bien realizada, con unas excelentes Emma Suarez y Nathalie Poza y un guion resultón menos en los últimos cinco minutos. En realidad es un film sobre el amor de una madre.

Háblame de ti

Homme Presse

***

Drama

Director: Hervé Mimran

Interesante película sobre la jerarquía de valores en la vida. Un hombre millonario que vive para el trabajo empieza a recolocar su vida tras un ictus. Redescubre a su hija y las cosas verdaderamente importantes. No es original, pero es acertada, bien interpretada, y con un agradable tono cómico.

La noche devora al mundo

La nuit a dévoré le monde

***

Terror. Zombies

Director: Dominique Rocher

Aunque parece increíble contar algo original sobre zombies, lo cierto es que esta cinta francesa lo consigue bastante. Mas que de terror es un film de supervivencia y recuerda más a Naufrago que Guerra Mundial Z. Una interesante reflexión sobre la necesidad del ser humano de que exista “otro”

La mujer de la montaña

Woman at war

**

Drama

Director: Benedikt Erlingsson

Extraña comedia surrealista islandesa sobre una mujer que quiere defender el medio ambiente por medio de actos ilegales de sabotaje. La película es original, pero demasiado surrealista para un espectador medio. Además no se sabe bien a dónde va y no es fácil empatizar con la estrambótica protagonista.

Las herederas

**

Drama

Director: Marcelo Martinessi

Esta película paraguaya nos cuenta la historia lenta e introspectiva de dos burguesas homosexuales venidas a menos, que tienen que reinventarse después de haber llegado a la madurez. Aunque triunfó en Berlín no es una cinta para el gran público.

Corgi: Las mascotas de la reina

The Queen’s Corgi

**

Animación

Director: Ben Stassen

Película infantil belga sobre los perros de la Reina Isabel II, en la que no falta la presencia de Donald Trump y señora. Bien animada y entretenida tiene demasiados elementos poco adecuados para niños como las insinuaciones sexuales y sus ironías políticas

At Eternity’s Gate

***

Drama

Director: Julian Schnabel

Personal aproximación a los últimos años de la vida de Van Gogh, donde se muestra su enfermedad mental a la par que su profunda mística. Un uso muy vanguardista de la cámara al servicio de un enorme Willem Dafoe. Para espectadores intelectualmente exigentes.

Wellcome to Marwen

***

Drama

Director: Robert Zemeckis

Basada en una historia real, Zemeckis nos propone un cuento para adultos que habla de afrontar los miedos y superar los traumas ayudado de los amigos. Como Lars y una chica de verdad, el protagonista solucionará sus conflictos a través de unos muñecos.

Une année polaire

***

Ficción documental

Director: Samuel Collardey

La historia real de un profesor danés que se marcha a trabajar a una escuela de una aldea de Groenlandia. Una cinta tan bella como interesante y entrañable. Habla de la educación en términos esenciales: lo importante es obedecer a la realidad. Una joyita.

Please stand by

***

Drama

Director: Ben Lewin

Dakota Fanning encarna a una chica autista obsesionada por participar en un concurso de guiones sobre Star Trek. Emotiva y entretenida, la película nos lleva al mundo emocional y a las necesidades afectivas de las personas con autismo. Al final no somos tan diferentes.

**

Drama

Director: Gerardo Olivares

Simpática road movie de dos nostálgicos del Paris-Dakar que viajan a Mali para visitar a su amigo moribundo. Muchos paisajes del desierto, peripecias cómicas y dramáticas y unos personajes entrañables. Un canto a la amistad para pasar el rato.

**

Drama bélico

Director: Konstantin Khabenskiy

La historia del motín de Sobibor, un campo de concentración alemán del que lograron escapar 200 prisioneros, entre judíos y detenidos rusos. A pesar de estar llena de tópicos y de que el guion no es brillante, es bastante interesante y se deja ver. No para todos los estómagos.

**

Thriller

Director: Pedro C. Alonso

Ópera prima producida por Jaume Collet-Serra que nos lleva a un ambiente claustrofóbico y nos lanza mensajes de actualidad. Fallida pero bien interpretada y con destellos de un prometedor futuro. Pero de momento hay que esperar.

Feedback 

Público recomendado: adulto.

Hace unos meses se habló de la efectividad de The Guilty y el uso de un solo espacio para desarrollar una narración de suspense

donde la sugestión auditiva era la base en la que se sustentaba la tensión de la trama. Reconozco que está siendo una película reiterativa, pero su impacto mereció mejor suerte en los círculos comerciales que los resultados obtenidos. Y porque el flujo de obras semejantes no ha parado. Desarrollar una trama completa en un solo escenario es una tarea ardua, compleja donde el ingenio del realizador se ve puesto a prueba. Construir un buen argumento es ya difícil, por tanto si sumamos este aspecto al reto de la película en su solo escenario la cosa se complica aún más. Uno de los mejores exponentes fue Hard Candy: malsana, incomoda, dura, cocida a fuego lento, tensa e incluso desagradable en varios momentos. En España tuvimos la oportunidad de ver la pericia narrativa de dos sabios (y jóvenes) realizadores como son Rodrigo Cortés y Eugenio Mira con Enterrado y Grand Piano; dos obras muy dirigidas, irregulares pero realizadas con inteligencia y buen quehacer cinematógrafo. Y ahora, de la mano de Jaume Collet-Serra en las labores de productor, llega esta ópera prima del director Pedro C. Alonso que cumple con lo prometido: giros inverosímiles de guion perdonados por su entretenida trama, su tensión creciente y la labor de su actor principal y algunos secundarios.

La trama nos traslada a una emisora británica en la que un polémico y famoso radiofonista es secuestrado en su propio programa. Lo que no sabe es que los secuestradores quieren algo de él muy concreto. El movimiento #MeToo ha calado muy hondo en la sociedad, y en todos los lugares del mundo se alza una voz contra el establishment hollywoodiense que durante décadas ha encubierto casos terroríficos; Alonso tenía algo que decir y lo ha plasmado en su obra con toda la crudeza que ello conlleva. Su contundencia es de agradecer puesto que muestra una realidad que han padecido cientos de actrices. La contundencia de su mensaje se ve, eso sí, algo enturbiada por algunos giritos para mantener nuestra atención y que no siempre son efectivos o en ocasiones bordean el ridículo. Pero la tensión está conseguida; no en vano algo tendrá para llamar la atención del directo Collet-Serra, cuyas cintas de acción son el nuevo paradigma del cine de testosterona actual.

Eddie Marsan realiza una sensacional interpretación, demostrando una vez más por qué es uno de los actores secundarios más afamados de Reino Unido. Su presencia y su carácter contradictorio (y por ende muy humano), hacen ganar enteros a un film que podría haber sido muy distinto con el actor equivocado. Imperdonable lo desaprovechado que está Richard Brake, cuyo rostro representa el terror puro, aquí es usado de forma que no casa en absoluto con lo que estamos acostumbrados a ver de él: en el mainstream es más conocido por interpretar bajo kilos de maquillaje al Rey de la Noche en Juego de Tronos, pero también ha sido un actor predilecto del cine de Rob Zombie, y por su emblemática aparición en Mandy.

En resumen: una ópera prima bien dirigida, con sus fallos de novel pero con tensión suficiente para mantener latente el interés durante su hora y media de metraje. Si es capaz de perdonar los giros de guion, algunos forzados, la película se deja ver.

Director: Pedro C. Alonso

Guion: Pedro C. Alonso, Alberto Marini

Reparto: Eddie Marsan, Paul Anderson, Ivana Baquero, Richard Brake, Alexis Rodney

Año: 2019

País: España

Una cuestión de género 

Público recomendado: Jóvenes

Interesantísima película basada en hechos reales. Cuenta la historia de Ruth Bader (Felicity Jones),

una brillante abogada cuya carrera parece no poder avanzar más que impartiendo clases en una academia por la estereotipada sociedad de los años cincuenta: las mujeres no son abogados por ser una “tarea” de hombres. Todo cambia precisamente cuando se le presenta la posibilidad de defender a un hombre que cuida de su madre enferma al que le ha sido denegada una desgravación fiscal reservada sólo a las mujeres. Con la ayuda de su marido, también abogado, conseguirá llevarlo ante los tribunales como caso de discriminación abriendo la primera jurisprudencia a favor de la igualdad de género.

La desigual Mimi Leder (El pacificador, la serie Urgencias) presenta aquí, con genial pulso narrativo, el guion de  Daniel Stiepelman, el propio sobrino de la, hoy en día, jueza Ruth Bader.

Si caer en tópicos feministas de medio pelo, en donde el hombre es el enemigo (trasnochada lucha marxista de sexos), el guion sabe poner el acento en las injustas desigualdades que imperaban en la época y en la simbiosis en el matrimonio de Ruth.

Muestra cómo la conciliación y la cooperación entre ambos sexos son más fructíferas en la lucha por la igualdad poniendo en valor la familia. ¿Qué sociedad voy a dejar a mi hija –se pregunta la protagonista- si no lucho por lo que es justo?

En este sentido la película tiene varias secuencias geniales precisamente en el ámbito familiar (la hija adolescente que apoya, anima y también discute con su madre, el marido que sabe ponerse en segundo lugar para que ella pueda sacar adelante el caso haciéndose cargo de la organización doméstica…)

Resulta curioso como el primer caso que sentó jurisprudencia en EEUU sobre la igualdad de género, se ganara por el caso de un hombre. Podrían tomar nota esa pequeña parte del feminismo (aunque hacen mucho ruido, esa es la verdad), que da por sentado que cualquier hombre es machista sólo por serlo.

Estoy de acuerdo con que la lucha debe continuar hoy en día (la brecha salarial es un asignatura pendiente vergonzosa), pero los nuevos terrenos de lucha por la igualdad son los relacionados con la conciliación. Si la mujer ha salido al mercado laboral y ha sido bueno, el hombre debe entrar en el hogar y será doblemente bueno. Palabras como reciprocidad, complementariedad y cooperación son el futuro para representar el feminismo real, el que de verdad necesitamos hombres y mujeres.

Esta lucha no es una cuestión de género. Es una cuestión de TODOS.

Director: Mimi Leder

Guion: Daniel Stiepleman

Reparto: Felicity Jones, Justin Theroux, Armie Hammer, Kathy Bates, Jack Reynor, Stephen Root, Cailee Spaeny, Sam Waterston, John Ralston, Francis X. McCarthy, Michael Dickson, Gabrielle Graham

Pájaros de verano 

Público recomendado: Adultos

Esta película destaca por su originalidad al acercarse a un tema que siempre hemos visto revestido de oropeles hollywoodienses.

El mundo de la droga y el narcotráfico siempre ha aparecido rodeado de cierta épica, incluso en las recientes aproximaciones a la vida de Pablo Escobar. Pero este film de Cristina Gallego y Ciro Guerra nos lleva a una Colombia mucho más real, al territorio de La Guajira, pegado a sus ancestros y lejos de cualquier mentalidad occidentalista. El film se basa en una historia real que explica el origen del narcotráfico en la Colombia de los sesenta, cuando empiezan a llegar “gringos”, medio hippies medio anticomunistas, que ofrecen dinero por sacos de hoja de marihuana. De esta manera, los agricultores de la zona, pobres y casi primitivos, se convierten en empresarios que empiezan a ganar un dineral para el que no estaban preparados.  En el desierto de Guajira, una familia indígena Wayuu se ve obligada a asumir un papel de liderazgo en esta nueva empresa. Sin saberlo se meten en el infierno.

La cinta tiene un importante bagaje etnográfico casi documental, que por un lado le resta carácter comercial, pero por otro permite conocer un contexto mucho más auténtico en el que entender lo que supuso el negocio de la droga. Un mundo de relaciones familiares, de tradiciones pacíficas basadas en el honor y el valor de la palabra, se ve sacudido y arrasado por todos lo males que se derivan de la ambición del dinero y del poder. Sorprende la religiosidad pagana de la comunidad, llena de supersticiones y magias y en la que no parece haber vestigios de cristianismo.

El resultado tiene bastante valor antropológico y social, y demuestra un nada desdeñable esfuerzo de producción. Tiene algo de tragedia griega, y algo de García Márquez, y cómo no, de realismo mágico. La película se divide en décadas y nunca renuncia a un cierto tratamiento poético en medio del horror creciente. Está rodada en lengua indígena y destacan las interpretaciones de las dos protagonistas femeninas, las actrices Natalia Reyes y Carmina Martínez. La película fue ovacionada en el último Festival de Cannes.

Destroyer 

Público recomendado: Adultos

Irreconocible por el maquillaje y por el papel de policía alcohólica y violenta, Nicole Kidman (La seducción, Lion, El editor de libros…) se reinventa en Destroyer,

último filme de la directora estadounidense Karyn Kusama (La invitación, Jennifer’s body, Girlfight…).

Erin Bell (Nicole Kidman) es una inspectora que en su juventud se infiltró, junto con otro policía, en una violenta banda de California dedicada a los atracos con gran violencia. Aquellos sucesos causaron trastornos profundos a Bell que vuelven a reproducirse en grado mayor cuando el antiguo cabecilla de los criminales da señales de vida tras salir de la cárcel.

Dirigida por Kusama y con guion de Phil Hay, Matt Manfredi, Kidman se ajusta convincentemente a su personaje de Erin Bell para realizar una actuación de mucho nivel. En el papel, ella tiene una relación tormentosa con su hija adolescente, a la que intenta llegar emocionalmente, siempre con resultados frustrantes por su adicción al alcohol, que su hija la recrimina continuamente. Esta desconexión la marca en el resto de sus relaciones con el “padre” de su hija y compañeros de comisaría.

Su aislamiento la lleva a mostrarse áspera con todos, camorrista y violenta con delincuentes y con la gente que está alrededor. Lo vemos acentuado en el montaje de Kusama que va en continuos flashback (retrospectivas) donde nos muestra sus momentos anteriores de infiltrada en la banda y los actuales, cuyo objetivo es obtener el paradero de Silas (Toby Kebbell: Jess, Ben-Hur, El consejero…), tras enviarle este una prueba de que había vuelto para ajustar cuentas.

Con 120 minutos de metraje, el resultado de Destroyer es más que óptimo por una más que conseguida trabazón de la acción dramática, que refuerza la madurez y buen hacer de Kidman en un personaje con muchas aristas y zonas oscuras (que recuerda al que le dio el Oscar en Las horas), al que ha sabido darle vida la actriz nacida en Honolulu.

Título original: Destroyer – Estados Unidos 2018

Dirección: Karyn Kusama

Guion: Phil Hay, Matt Manfredi

Música: Theodore Shapiro

Fotografía: Julie Kirkwood

Reparto:

Nicole Kidman,  Sebastian Stan,  Tatiana Maslany,  Toby Kebbell,  Scoot McNairy, Bradley Whitford,  James Jordan,  Toby Huss,  Jade Pettyjohn,  Shamier Anderson, Jan Hoag

Género: Thriller. Acción. Drama | Crimen

Duración: 123 min.

La escuela de la vida 

Público recomendado: jóvenes

Esta película de Nicolas Vanier nos lleva a la Francia de entreguerras.

Paul es un niño que vive en un orfanato de un barrio obrero de París, y que es adoptado por Celestine, la criada del conde de La Fresnaye, que trabaja en su gran finca en Sologne. En los bosques del conde hay varios pescadores y cazadores furtivos, como Totoche, el más escurridizo de todos. Cuando Paul conoce a Totoche, éste le enseñará todos los secretos del bosque.

La película nos presenta algunas cuestiones de interés muy bien entrelazadas. Por un lado nos presenta una experiencia de acogida bien planteada. En realidad, el niño vuelve con lo que hoy se llamaría su familia extensa sin saberlo, gracias a la generosidad y al buen corazón de una de las criadas. Por otro lado, el film nos habla del camino educativo que hace este niño, introducido en la realidad, aunque sea de una forma poco refinada, por el cazador furtivo que le descubre la belleza del mundo y los secretos de la naturaleza. Por otra parte, el Conde le descubre otros valores y referencias. Al final, el niño asimila tantas influencias diversas que utiliza para su crecimiento y maduración personales. La trama y el desenlace de la historia también es muy sugerente, pues muestra como el orden moral se impone finalmente al desorden que se había originado en la intransigencia y los prejuicios del pasado. A pesar de sus toques anticatólicos tan franceses la película en su conjunto es muy recomendable.

Feliz día de tu muerte 2 

Público recomendado: Jóvenes 

A nadie se le escapa que hacer una secuela de Feliz día de tu muerte era una empresa absolutamente inútil.

Es exactamente lo mismo que haber hecho una continuación de Atrapado en el tiempo. Todo lo bueno de la primera película se habría evaporado. Hay que reconocerle no obstante, el esfuerzo a Christopher Landon por tratar de ir más allá e intentar rizar el rizo de lo que ya había sido rizado previamente. Compleja empresa, no cabe duda.

Casi como sucedía en la primera película, en Feliz día de tu muerte 2, su protagonista vuelve a entrar de nuevo en un bucle temporal, en esta ocasión para tratar de explicar lo ocurrido en la primera película y de paso poner en escena a un nuevo enemigo. Todo tan idiota como en la primera película y con tan poco sentido como entonces, todo es cierto. Pero si uno decide entrar en el juego, ya que ha pagado la entrada del cine, es lo mínimo, no resulta complicado dejarse llevar por semejante concatenación de sandeces. En conjunto Feliz día de tu muerte 2 es entretenida lo que tratándose de una film tan justo de posibilidades, es todo un mérito.

Detrás del invento hay fundamentalmente dos cerebros. Por un lado el financiero, la productora Blumhouse, hasta la fecha el mayor y mejor exponente del cine de terror moderno de bajo presupuesto. No es que todo lo que haga sea bueno pero sí que hace muchas cosas y algunas muy buenas (Glass, Déjame salir, El regalo, Insidious, La purga, Paranormal Activity…). Y luego está la cabeza creativa, Christopher Landon un habitual de la casa Blumhouse guionista, que se sepa, de cuatro secuelas de Paranormal Activity.

El caso es que Feliz día de tu muerte no aporta gran cosa en ningún aspecto o sentido. Ni en lo humano, ni en lo moral ni en lo cinematográfico. Se queda en lo esperado en una película de este tipo y nadie en su sano juicio debería molestarse por ella y ya no digamos ir a verla cuando este tipo de tonterías no sea lo suyo. Porque lo mejor que tiene el film de Landon es que sabiendo que es una simplez, lo luce con orgullo y esto tampoco es frecuente.

Happy Death Day 2U

Dirección: Christopher Landon

(Reino Unido, 2018)

Interpretación: Jessica Rothe (Tree Gelbman), Israel Broussard (Cartes Davis), Phi Vu (Ryan Phan), Suraj Sharma (Samar Ghosh), Sarah Yarkin (Andrea “Dre” Morgan) y Rachel Matthews (Danielle Bouseman).

Duración: 100 min.

Distribuidora: Universal Pictures

Género: Terror.

Cómo entrenar a tu dragón 3: El mundo perdido. 

Público recomendado: Familiar.

Lo que comenzó como la inesperada amistad entre un joven vikingo y un temible dragón Furia Nocturna se ha convertido en una aventura épica que ha recorrido sus vidas.

Como gobernador de isla Mema junto a Astrid, Hipo ha creado una utopía deliciosamente caótica plagada de dragones. Pero cuando la súbita aparición de una Furia Nocturna hembra coincide con la amenaza más oscura a la que la aldea jamás se haya enfrentado, Hipo y Desdentao deberán dejar atrás el único hogar que han conocido para viajar a un mundo oculto que parecía solo un mito. Al tiempo que descubren sus destinos, dragón y jinete lucharán juntos —hasta los confines de la Tierra— para proteger aquello que aman.

Parece increíble, pero han pasado casi diez años desde que conocimos por primera vez a estos personajes que han revolucionado las salas y los corazones de millones de espectadores y amantes de la animación. Como entrenar a tu dragón apareció en 2010, presentándose como una propuesta valiente e innovadora por parte del estudio de DreamWorks Animation, y la cual estaba basada en el libro infantil de la escritora inglesa Cressida Cowell. Finalmente, tras la paciente espera de sus fanáticos, ha sido en este 2019 cuando Dean DeBlois -director de todas las cintas- da cierre a esta trilogía que, sin duda, ha marcado un antes y un después en la historia de esta compañía de animación.

Hablamos ya no solo de la maestría con la que han adaptado y dado vida a sus protagonistas -llevándolos a la gran pantalla por todo lo alto-, sino que además, con estos filmes se han conseguido hacer importantes avances en esta industria al utilizar una nueva tecnología llamada Apolo, la cual fue desarrollada por el estudio y que permite transformar el proceso de toma de imágenes, haciendo mucho más sencillo la manipulación de las mismas para los animadores.

Otro de sus elementos a destacar es la evidente mejora técnica y artística que se visualiza a lo largo de los largometrajes. Desde la calidad en los más mínimos detalles de los personajes -como el movimiento del pelo o las texturas de la piel de los dragones-, o los elaborados fondos -con muchos matices de color y formas-, hasta los interesantes planos y encuadres de las cámaras -siendo muchos de ellos en escorzo o desde perspectivas variadas- y la complejidad a la hora de desarrollar las escenas, las cuales están cargadas de acción, y que aunque en numerosas ocasiones reinen los ambientes oscuros, se pueden distinguir con gran calidad los movimientos de cada personaje; haciendo hincapié y resaltando una vez más la calidad de la cinta.

Sin duda, un filme de DreamWorks que nada tiene que envidiarle a otras grandes compañías y que finalmente consigue poner el broche de oro a una trilogía que ha emocionado a miles de espectadores con su forma única de representar la amistad, el coraje, la lealtad, el amor y la lucha por conseguir alcanzar tus sueños a pesar de las adversidades, despidiéndose así definitivamente de los cines y dejando un sabor agridulce a aquellos que han acompañado a sus protagonistas durante toda su aventura.

Un final que no ha decepcionado, pero que indudablemente pone el listón muy alto para los próximos estrenos de la casa, y que francamente, se convierte en un éxito muy difícil de volver a alcanzar.

-Ficha técnica:

(How to Train Your Dragon: The Hidden World , 2019, EE.UU.)

Director: Dean DeBlois.

Productora: DreamWorks Animation / Mad Hatter Entertainment.

Distribuidora: Universal Pictures.

Duración: 104 minutos.

Género: Animación, Fantasía, Aventuras.

¿Podrás perdonarme algún día? 

Público recomendado: Jóvenes-adultos

Basada en la historia real de Lee Israel, la biógrafa de artistas como Katherine Hepburn, Tallulah Bankhead, Estée Lauder…

En la década de los 70 y 80, sus libros llegaron a ser superventas, pero después, paulatinamente, dejaron de interesar al público y diez años después, ningún editor quería ya publicarle nada. Para colmo de desdichas, debido a su mal carácter, la echan de la revista donde trabajaba, con lo cual se queda también sin los pocos ingresos que le proporcionaban sus artículos.

Ahora Lee es una cincuentona desaliñada que ahoga su frustración en el alcohol, sin familia, sin amigos, sin otra compañía que su vieja gata. En un bar se reencuentra con un antiguo conocido, Jack Hock, un homosexual maduro, elegante y totalmente arruinado, con el que entabla una curiosa relación, medio amistosa medio interesada.

Al borde de la desesperación, porque no tiene ni el dinero necesario con que comprar los medicamentos para su amada gata, de pura casualidad, halla un sorprendente filón para obtener considerables beneficios: ha descubierto el curioso mundo de los coleccionistas, dispuestos a pagar un buen puñado de dólares por cartas personales con la firma de personajes ya fallecidos, del ámbito de la literatura y de la cultura en general. ¿Pero cómo conseguir dichas cartas para poder venderlas después?

Marielle Heller no nos ofrece una comedia sino un drama, pero que, paradójicamente, nos hace sonreír y hasta reír en muchos momentos. Presenta una historia de mentiras y falsedades con la que, sin embargo, el espectador empatiza totalmente. Es, pues, como si todos los elementos estuvieran trastocados: drama que resulta divertido, transgresiones de la ley que llegan a ser amables, estafadores por los que se toma partido… Pero es eso justamente lo que asegura el éxito de la película. Porque, más allá del relato de falsificaciones y timos —sin duda curioso e interesante—, Heller nos narra una historia de hondo calado humano: la amargura de una mujer que no encuentra su lugar en un mundo cambiante.

Es muy buena la ambientación de Nueva York en los 90, bastante distinta de la actual ciudad de los rascacielos. También el libreto está muy logrado, la narración no pierde el ritmo en ningún momento, a pesar de los numerosos encuentros con personajes tan distintos que irrumpen en la existencia de Lee: los compradores de las cartas, la admiradora que le confía sus íntimos sueños de llegar a su vez a ser escritora y le ofrece su amistad, la editora que ha llegado al límite de su paciencia, la antigua amiga que salió hace tiempo de su vida y no está dispuesta a volver a entrar y, por supuesto, el pintoresco e imprevisible Jack.

El mundo de los libros crea un marco mágico para un argumento algo sórdido. El desorden de su apartamento, que lo hace tan inhóspito que no se atreve a entrar ni el fumigador, es el reflejo de la actitud y el comportamiento caóticos de Lee, a la que nadie está dispuesto a acercarse, así como del pandemonio interior de la escritora, que le impide el reposo y la paz. Pero, aunque la fuerza de la película no está centrada en los libros, encierra también una sutil reflexión sobre la literatura «de mercado», es decir, la obra como puro negocio, y el libro antiguo como objeto de coleccionista, mientras que la creación propiamente dicha parece quedar limitada al hecho de que un autor se atreva a usurpar la personalidad de un personaje y escriba en su nombre, como acaba haciendo la fracasada Lee.

Es, sin duda, un tema interesante, pero lo que le interesa realmente a Heller es el lado humano de un personaje tan controvertido como Lee Israel. Melissa McCarthy se mete totalmente en la piel de la escritora de biografías que acabó infamada por sus innumerables falsificaciones. La actriz modula a la perfección las distintas facetas de esa mujer brusca y desabrida, que ha labrado su propia soledad, de la que, por otra parte, no tiene ninguna intención de zafarse, a juzgar por el ácido humor con el que mira hacia su entorno. Sin embargo, la verdad es que, en el fondo, alberga deseos de amistad y de afecto, aunque es incapaz de manifestarlos porque se lo impiden su inseguridad personal y la autoestima tan baja que sufre. Esos sentimientos de debilidad permanecen ocultos para los otros -y tal vez también para ella misma- gracias al sólido muro de aislamiento que construye día a día con sus arranques de soberbia y acritud. Solo con la gata es capaz de volcar toda la ternura y la angustia de las carencias afectivas, solo con ella se siente necesaria, solo por ella se siente amada.

La magistral interpretación de Melissa McCarthy, está muy bien secundada por el magnífico trabajo de Richard E. Grant. Forman una pareja extraordinaria y ambos merecerían ser galardonados por su trabajo.

Una película muy interesante y muy recomendable.

Título original: Can You Ever Forgive Me?

Director: Marielle Heller

Duración: 106 min.

Género: Biográfico, Comedia, Drama

Guion: Nicole Holofcener, Jeff Whitty (basado en las memorias de Lee Israel)

Reparto: Melissa McCarthy, Richard E. Grant, Joanna Adler, Marc Evan Jackson, Alice Kremelberg, Michael Cyril Creighton, Anna Deavere Smith, Julie Ann Emery

Música: Nate Heller

Fotografía: Brandon Trost

Año: 2018

País: EE.UU.